Music For The People

Rap BR em 2012 segue forte: Síntese e uma breve síntese

2012-02-07T04:19:00.000-03:00

Uma das percepções mais claras sobre o rap nacional é que certos modelos estéticos foram sendo desafiados nos últimos anos e isso resultou em variedade; não uma ruptura como erroneamente se propaga, mas uma absorção da influência da velha escola sem limitar as possibilidades do estilhaçamento de informações e de acesso aos mais diversos sons e equipamentos. Durante algum tempo, essa transformação foi perceptível apenas para os que acompanhavam a cena de perto, o que resultou no espanto de muitos quando alguns nomes passaram a ter visibilidade fora desse cenário. As análises sobre o rap no Brasil são conduzidas com mão pesada, fato que reflete o distanciamento da crítica - inclinada sobre um modelo indie-rock - com cenas que ela não acompanha e não compreende plenamente: há poucas citações ao trampo do Costa a Costa, por exemplo, quando se fala sobre "novo rap" embora o grupo de Fortaleza liderado por Don L. tenha um lugar importante nesse processo criativo de renovação. Daria pra enumerar diversos equívocos em textos recentes, mas não vamos perder tempo. A molecada que consome música é mais esperta, porque parece encarar com menos barreiras e dar pouca bola para especialistas, trazendo possibilidades de encontros de classes sociais distintas em shows do gênero já a alguns anos (a ideia de música como instrumento agregador, pouco reproduzida na prática); algo que se incorporou à cultura pop estadunidense muito antes, mas que enfrenta resistência em um país que concentra não apenas renda mas também o domínio do "bom gosto", uma derivação do conceito "gente do bem" encampada por conservadores país afora; para aceitar o sucesso dos novos MCs entre esse público, há uma convenção que conclui que os novatos (risos) pertencem a um lugar menos feio no imaginário. Se há diversão, não há crítica social; se há crítica social não há diversão.Não é só desinformação despejada, mas um desejo consciente de "adequar a realidade". Em outras palavras, desonestidade intelectual: Ok, toda a carreira dos Racionais foi feita de apresentações sorumbáticas/criminosas e o Emicida é um alienado que canta sobre minas do centro expandido que o adoram. Fechada a pauta. A sorte é que os mais jovens parecem nem ligar, querem mesmo é selecionar o que é bom com um pouco mais de independência. E é daí que surgirá a arte relevante.

Tudo isso pra falar sobre os novos beatmakers e MCs: a gurizada que vai lançando seus sons nos Soundclouds da vida e às vezes a gente demora pra conhecer; O Síntese é uma dupla de São José dos Campos, SP. Fiquei conhecendo graças aos tuítes do Kamau e do André Maleronka. O vídeo da canção 4:20 saiu faz pouco, mas o som já estava na promotape dos caras e disponível no Soundcloud da banda. O lance é um som sujo, simplão - no sentido de usar pouco mas de forma encaixada - letra decente, flow de primeira e curto como um hardcore. As outras músicas disponíveis para audição seguem esse formato rápido e agressivo, o que nos deixa com boa expectativa para Sem Cortesia, o primeiro álbum do duo a sair ainda esse ano.O Síntese é exemplo de quem está de ouvidos abertos e criando de forma orgânica, instintivamente entregando suas experiências sem se apegar em conceitos ultrapassados. E a repercussão gerada via blogs de hip-hop e redes sociais mostram que o público vai se formando, antes dos cadernos culturais descobrirem. São uns muleke zika. Vamos torcer pra continuarem explorando.

* O Síntese estará presente no evento marcado para o dia 12/02 em São José dos Campos, #Pinheirinho existe: para ajudar as crianças que sofreram com o abuso da desocupação, bandas de rap e hardcore (como o incrível Test) irão se apresentar e a entrada é um brinquedo em bom estado. Mais informações aqui.

MIA volta com novo vídeo: Bad Girls

2012-02-05T19:14:00.000-03:00

A inglesa-cingalesa M.I.A. lançou seu novo single, Bad Girls no último dia 31 de Janeiro. O vídeo para a nova canção da compositora foi dirigido por Romain Gravas (o mesmo de Born Free, do disco anterior) e acompanha o pique curtição/agitação da música. O álbum deve sair no verão do hemisfério norte, e o vídeo já está entre os favoritos desse blog e de gente como Kanye West, Rihanna e Tyler, The Creator, que demonstraram sua admiração pelo twitter. Assista (via Noisey, projeto de mapeamento global de música da Vice), deixe um comentário lá no Youtube e espere que a MIA curta, porque no próximo dia 10 será postado um vídeo-resposta para os recadinhos que a queridona (mais de três milhões de views!) achar mais maneiros :

Novo vídeo da Céu: "Retrovisor"

2012-02-02T20:37:00.000-03:00

A cantora Céu prepara novo disco, Caravana Sereia Bloom, a ser lançado nas próximas semanas; uma prévia do sucessor de Vagarosa (2009) foi postada hoje no twitter oficial da compositora paulistana: o clipe da música Retrovisor:

Die Antwoord - TEN$ION

2012-01-30T06:10:00.001-03:00

TEN$ION é apenas um inferno de batidas eletrônicas processadas juntamente com as intervenções dos MCs Ninja, Yo-Landi e DJ Hi-Tek: referências como teclados euro house, tecno barangado, hip-hop e dubstep ocupam o mesmo espaço de versos que lançam bravatas sexistas em um momento e visões ufanistas em outro, com uma velocidade desnorteante. Ok, o segundo álbum dos sul-africanos que ganharam atenção global em 2010, na cola da febre Distrito 9/Copa do Mundo expande o universo planejado pela estreia $0$, originalmente lançado em 2008 e distribuído mundialmente em uma reedição de 2010. A ideia de "Zef", uma espécie de cena local que englobaria um perfil rap/rave apocalíptico e a estratégia de viralizar os vídeos, que acabavam linkando para outros que desvendavam a história dos integrantes da banda pode ter decepcionado aqueles que acreditam em contos encantados envolvendo bandas de indie rock se formando em cortiços; o passado de Ninja aponta para um artista que transitou pelo rap local assim como em quadros humorísticos locais. Isso não deveria ser um problema de credibilidade, certo fãs de Drake?

Never Le Nkemise 1 se inicia com um coro de belas vozes para repentinamente se transformar em um monstro de clichês dubstep embora arranhe apenas a manipulação das linhas de baixo e não as batidas com suas hi hats e quebras de tempo. "Sou invencível" é o brado aqui. I Find U Freak conta com os vocais de Yo-Landi e é mais uma pedrada de bastardização eletrônica, um C+C Music Factory travesti e frases simplistas ("Jump, Muthafucka, jump!"). Fatty Boom Boom segue com o amálgama pop periférico à la M.I.A. de Arular, um fogo cruzado de ritmos e palavras de ordem. Aliás, o Die Antwoord realiza aqui uma versão mais enxuta do primeiro disco, embora demonstre de forma mais direta suas influências cruzadas e cronologicamente bizarras.

So What? traz um hip-hop mais "puro", tirando o pé do clima rave/flashback químico. Não surpreende que a sequência de faixas siga com esquetes esdrúxulas como Uncle Jimmy ("Senta no colinho do tio Jimmy"), a farofada Baby's On Fire, que podia estar em alguma coletânea da Mixmag da década passada e U Make a Ninja Wanna Fuck com seus teclados "ácidos" similar a alguma faixa do Prodigy em 1992: Parte do DNA do Die Antwoord é herdado da bagunça desordeira e da trucagem esperta de quem se entope de música e aditivos. O single Fok Julie Naaiers é exemplar: traz a tensão que dá título ao disco, soa contemporânea e agressiva: parece algo desenhado com certo cuidado até o ponto em que os integrantes se perderam entre um tirinho e outro e a deixaram daquele jeito mesmo.

TEN$ION pode trazer essa versão distorcida da eletrônica e do rap de forma referencial, mas há tempero suficiente para tratar a música aqui como sendo produto de 2012 mesmo: entrelaçados estão os vídeos de Enter The Ninja, que fez a banda entrar no mapa em 2010, o falecido artista e DJ Leon Botha (colaborador do grupo), o contrato com a major Interscope, feito e desfeito, o fato de rimarem usando gírias locais e até dialetos, desaguando em um disco novo em um espaço temporal pequeno.O Die Antwoord criou sua própria versão da realidade em pouco tempo e não há problema nisso quando a música é tão divertida. 7/10

A$AP Rocky não tá falando de dinheiro

2012-01-24T09:05:00.000-03:00

LiveLoveA$AP foi um dos pontos altos de 2011: a primeira mixtape do MC estadunidense Rakim Mayers aka A$AP Rocky trouxe o universo atual da América em crise, na forma de canções encharcadas de beats e efeitos tortos, versos como "I ain't talking 'bout no money/I ain't talking 'bout no cars/Talking 'bout no diamonds cause that shit is a facade/Times' really hard/I fucked a couple of broads." Drogas de todo tipo vão puxando a criação das músicas porque servem de anestésico para a realidade e vice-versa. Não existe barreira aparente para o flow de A$AP, que traça a paisagem das ruas em detalhes chapados, entre a diversão e a violência. A presença de Clams Casino na produção de algumas faixas trouxe mais atenção ao trabalho, mas LiveLoveA$AP é uma porradaria do começo ao fim, uma trilha sonora adequada para os tempos atuais: a concepção engloba não apenas uma ideia de estado alterado da mente transmitido para a música, mas toda uma forma de viver vomitada. Veja abaixo o novíssimo vídeo para Wassup, revelado ontem pela revista Vice (clique no link para ler mais sobre a produção do videoclipe) e também o hit do YouTube Purple Swag, que ajudou A$AP a assinar um contrato milionário com a Sony:

A crítica musical não precisa morrer, só se adaptar

2012-01-22T02:48:00.001-03:00

No último dia 11 de janeiro a edição online da revista americana Spin publicou um artigo explicando uma das mudanças provocadas pela movimentação de profissionais ligados à editoria. A tradicional revista em papel passará a ser bimestral, e a conjugação das mídias digitais trará alterações no site e no app para Ipad, sob o comando da editora-chefe Caryn Ganz. Mas o que mais chamou a atenção foi a criação do perfil exclusivo para reviews no Twitter: a decisão foi basear resenhas dentro das limitações de carateres do microblog, expandindo a base de discos resenhados para um mil e quinhentos por ano. A intenção é cobrir com mais agilidade, permitir maior interação com o público e abranger desde lançamentos no Bandcamp à mixtapes fresquinhas na web. As resenhas tradicionais cairão para vinte ao mês, dedicadas apenas aos lançamentos considerados "essenciais". Entre os motivos explicados no texto, há uma admissão de que o peso da crítica musical é bem menor nos dias atuais. Ou, como consequência de uma geração que possui acesso simultâneo aos lançamentos e parece se importar menos com o que jornalistas especializados tem a dizer, a sobrevivência da publicação passa a ser acompanhar o ritmo veloz e assumir dois pontos primordiais: apesar dos esforços da indústria, o consumidor de música gasta (tempo e dinheiro) apenas naquilo que realmente se apega, o que ocorre inevitavelmente após a audição ilegal da obra; a molecada que cresceu compartilhando muitas vezes conhece mais bandas do que especialistas que, por questão de gosto definido ou falta de tempo, acabam não conseguindo acompanhar o ritmo de lançamentos anuais no calendário musical.

Entretanto, a decisão da revista (que perdeu há muito seu poder de relevância exercido principalmente nos anos noventa) suscitou discussões ainda mais amplas lá fora e por aqui também. Há uma resistência de alguns jornalistas, tanto "old school" como mais novos em admitir a perda do status de guia, guru, luz que direciona e filtra tendências. O argumento principal é que a internet é recheada de opinião, geralmente vazia e sem embasamento, e que o excesso de informação não necessariamente supre o papel da crítica em instigar reações e promover o avanço. A opção de limitar ao máximo o espaço para análise também foi vista como um exemplo de oportunismo, desespero e, em última instância, perda do poder argumentativo, nivelando por baixo o nível das resenhas.

Uma das ironias desse debate é que a base de toda a discussão se baseia na livre (por enquanto) transmissão de dados proporcionada pela internet. Há música para download de todos os tipos, pra todos os gostos e curiosidades, assim como textos e livros sobre música pop espalhados. O que poderia espelhar diversidade de opiniões acaba sendo tratado com um divisionismo reducionista. A crítica morreu ou está viva e altiva? Velha mídia ou nova mídia? Não há espaço para inserção de poréns entre as trincheiras articuladas. Algumas podem ser citadas: o papel centralizador do especialista já era e não volta mais, simplesmente porque uma geração inteira - e outras ainda por vir - não faz noção do que é esperar pelo dia de chegada de um disco às lojas, muito menos de observar jornalistas com a exclusividade da audição antecipada. Também não sabem como mostrar um som maneiro pra muitas pessoas era tarefa hercúlea de gravar fitas individuais ou reunir a galera. Acesso, comunicação, rapidez, absorção: o oposto do que gente como eu viveu no período jurássico pré- Napster. A gurizada fuça seus sons e compartilha; alguns vão se sentir impelidos a ler a respeito, e criarão algum tipo de relação com a música, e com os que escrevem sobre ela. Dessa equação poderemos obter diversos resultados: um fã cada vez mais bem informado e interessado, um sujeito que adora dar opinião sem qualquer interesse real ou um acrítico downloader de qualquer coisa que um amigo indique. Todos eles podem montar bandas, e por aí vai o caminho complexo que temos de compreender. A crítica em si não morreu, mas precisa se adaptar a um público como esse, que é sim capaz de questionar quando se sentir enganado. A maneira como o jornalismo sofre para entender esses parâmetros, porém, é indicador de que não anda tão bem assim. Velha mídia e nova mídia muitas vezes se fundem, porque os velhos tentam sobreviver (caso aqui levantado) e os novos muitas vezes não soam tão novos assim: há blogs que apenas regurgitam padrões antigos embora seus donos sejam parte desse público jovem e supostamente mais bem armado e antenado. Há exceções, é claro, e é a partir dessas experiências que podemos começar a vislumbrar o papel da disseminação de informação crítica nesse período.

Outro ponto a ser considerado é o elevado risco em se fazer previsões no ambiente atual: as mudanças estão ainda sendo digeridas e é possível notar um interesse maior de um público global por música periférica. O que antes era apenas exótico começa aos poucos a ser visto como extensão natural da absorção constante de influências diversas - a molecada do parágrafo acima que monta bandas - aliado ao avanço da tecnologia de softwares de produção caseira acessível. A forma como os que consomem música enxergam a crítica muitas vezes passa pelo fato de que suas bandas novas prediletas são ignoradas (ou não) pela mídia.

Brasil

Aqui no Brasil, além do que já foi dito acima, é necessário que se faça um adendo: sendo filhote de uma realidade periférica, nosso jornalismo de música cresceu se abastecendo com as parcas informações de revistas gringas e discos importados: um hábito caro e restrito a uma classe média que se acostumou a enxergar uma crescente distância do seu suposto conhecimento com a do público a quem se dirigia: mais do que informar, a tendência era ser professoral, no sentido menos agradável da palavra: sem se preocupar com contextualizações, muitos textos eram contundentes e "definitivos": polemistas sem a função primordial, deterioravam análises que poderiam ser úteis. Claro que havia exceções, mas eram assim: exceções, não a regra.

O cenário atual trouxe maior independência para o público: com melhores condições sociais, o acesso a uma lan house, a um celular com bluetooth e MP3 significou para muitos a chance de trocar informações sobre artistas e shows. O crescimento exponencial do rap nacional, por exemplo, não pode ser explicado apenas por esse aspecto, mas a organização dos envolvidos com o gênero passou pelas facilidades proporcionadas pela internet, seja na divulgação como na produção, e isso trouxe - e continua trazendo - um nível de qualidade artística ("sem espaço pra quem não corre") e um fortalecimento entre fãs e artistas. Contribuição da crítica? Se hoje caras como Criolo e Emicida abriram as portas de cadernos culturais, programas de TV e publicações maiores para outros nomes do rap, o processo de ebulição não foi acompanhado por esse meios. O jornalismo especializado está trazendo destaque ao final de um processo cujo aflorecimento foi quase que totalmente ignorado: poderia haver uma chance de recuperar o tempo perdido se as matérias atuais se baseassem em pesquisas e interesse real, mas o grosso do trabalho dos repórteres traz análises miúdas e preconceituosas, sem contexto e informação. De fato, a base do opinionismo de boy ou patizinha das redações está lá atrás, na nossa formação capenga de cagadores de regra disfarçados de estrelas da erudição e do bom gosto.Os poucos que se aventuraram a cobrir a efervescência criativa dos MC's, beatmakers e produtores de forma correta foram publicações de caráter independente. Me parece que o efeito foi mais de dentro pra fora, uma vez que as conversas travadas entre os jornalistas independentes e rappers transcendiam as pautas de reportagens; era o caso de mostrar novos sons e trocar ideia nos bares, como entusiastas fazem. E nesse momento é que existe espaço para a molecada que ajudou a levantar a febre do rap, mas que pode estar presente em outros gêneros, se colocar através da rede com textos e reportagens. O cara que vai a shows (e não a eventos), lê livros por gosto e ama música - o nerd primordial - pode se livrar das picaretagens e ser relevante. Resta saber se as editorias estarão dispostas a recebê-los ou se terão de garimpar o universo dos nanicos.

Não cresci lendo resenhas de 140 caracteres e portanto elas me parecem incompletas e vazias. Mas se houver uma interação maior entre aqueles que as escrevem e os leitores através de replies, talvez tenhamos uma visão mais adequada e equilibrada. Ou talvez seja só desespero de mercado editorial. A iniciativa da Spin ainda não pode ser analisada com a amplitude necessária. O fato é que vivemos em um tempo que parece exagerado, amplo e muitas vezes exaustivo pra quem vive de música, dos dois lados da moeda. Mas é justamente a recompensa proporcionada, a humildade da busca e o contato com o público que podem formatar o novo papel da crítica.A distensão entre crítica e leitores é tanta que se esquece o básico: Uma resenha não é importante porque foi publicada. É importante se significar algo pra quem a lê.

Siba - Avante

2012-01-10T04:12:00.000-03:00

Não sabemos ao certo os motivos que engrenam o motor criativo de um músico: seja no aspecto pessoal, nas descobertas técnicas ou no interesse mercadológico, há sempre um elemento de discussão, que no fim das contas acaba por tornar nebulosa a análise (eternamente dissecada) sobre as relações externas e o trabalho em si. Entretanto, quando o foco é a arte propriamente dita há possibilidade de encontrarmos pontos importantes: Quando consumimos música e tentamos fazer um paralelo daqueles acordes com o cenário em que possivelmente habitam os versos e melodias ali presentes, estamos apenas especulando sobre a mente de outra pessoa. Mas é parte fundamental da música pop nos remeter ao mistério, à curiosidade e a busca por empatia. São elementos indissociáveis, porque das sensações é que são construídas grandes canções: Avante, disco do pernambucano Siba, é recheado de momentos sensoriais e instigantes. Embora seja estruturalmente diferente de sua obra até aqui.

Siba comandou a rabeca - e também a guitarra - do Mestre Ambrósio, grupo que alçado ao levante do manguebit no final dos anos noventa trouxe suas diferenças e suas qualidades: raspando o rock apenas para dizer que o forró, a ciranda, o baião e o maracatu soavam mais alto e mais forte. Para um urbanóide com dois pés na tradição e nas suas conexões, após a dissolução da banda Siba trabalhou em projetos que o levaram para longe - geograficamente - em busca de novos respiros: sua Fuloresta, que reuniu músicos de Nazaré da Mata (PE), local em que residiu, rendeu o disco Toda Vez Que Eu Dou Um Passo o Mundo Sai Do Lugar (2007). O músico também lançou um trabalho com o violeiro Roberto Corrêa - Violas de Bronze, em 2009. Saindo de uma cidade de trinta mil habitantes e retornando para as andanças das grandes cidades - até retornar a São Paulo, local que o acolheu anos atrás - Siba repensou não apenas a forma de realinhar suas ideias, mas permitiu que alguns desafios causassem algum tipo de reação: retomando a guitarra, as composições mais personalistas e uma estrutura quase tradicional de banda de rock: com grandes espaços a se preencher, imagino que Siba tenha se deparado com uma grande folha em branco, ao invés de trabalhar sobre um livro já rabiscado e esquematizado.Que tenha optado pela primeira é surpreendente e louvável.

A exposição de se colocar de forma distinta permitiu a Siba uma forma de criação que dinamizou as canções, que são montadas sob riffs costurantes, com bateria e tuba segurando o ritmo e teclados que se inserem de forma pontual. A produção, dividida entre o compositor e Fernando Catatau, é equilibrada ao não sugerir uma mão pesada em direção a um rock "quadrado". Preparando o Salto inicia o álbum com a já citada trama guitarrística, aliada aos versos fluidos e inteligentes; a quebra melódica e a confiança vocal de Siba, um crooner de bar de beira de estrada (no melhor sentido da definição) aquecem a alma: " Não vejo nada que não tenha desabado/Nem mesmo entendo como estou de pé.../Vou passar como um santo mudo/Mirando o alto, rindo/Preparando o salto/Deixando pra trás...tudo." É uma declaração de intenções, de novos horizontes e sobre encarar o medo. A letra reflete a melodia: forte, assertiva sem perder o lirismo e a beleza.

Ariana traz o romantismo que soa exatamente como algo nordestino - embora elementos percussivos tão pertinentes á ciranda e ao maracatu não estejam tão presentes - simplesmente por contar com uma tradição discursiva, de repentistas e da literatura de cordel transportados para uma combinação de letra/melodia mais uma vez efetiva, como um encanto em uma noite quente. A Bagaceira faz a tradução musical das intenções - ou pelo menos do resultado delas - de Siba: dialoga com o rock, com a música popular aka brega e faz o contorno pelo fraseado do Tinariwen. Canoa Furada eleva o volume da guitarra na introdução mas mergulha pelo universo referencial de Siba com um único respiro: não estaria fora de contexto em Amarénenhuma, ótimo disco lançado pela banda Nuda em 2011. Avante traz peso de guitarra na introdução em ritmo psych-rock-xaxado. As duas últimas músicas do disco são reflexões cheias de afeição e os momentos em que Siba se mostra mais desarmado, frágil e capaz de sintetizar a vontade de mudar em forma de música boa: Qasida é um lamento nostálgico tracejado por um solo de Catatau que injeta maior contorno instrumental (e emocional); Bravura e Brilho é um carinhoso retrato do sentimento paternal e, ao mesmo tempo, da nossa própria consciência da efemeridade das coisas.

Avante abre o ano na música brasileira apontando para um caminho promissor: Reconhecido compositor e músico, Siba se propôs a reconstruir sua trajetória através do caminho mais arriscado: recorrendo ao passado não como fundação de uma nova estrutura, mas como elemento que ajuda a agregar partes da história, indeléveis, que percorrem uma linha imaginária do tempo. Linha intangível, de ligações múltiplas e digressões. Diante do desafio, é preciso coragem pra seguir adiante. Ou Avante, na palavra de Siba. 8/10

Malandragem: um texto sobre João Antônio, Ogi e as ruas

2011-12-27T22:35:00.000-03:00

"Fui percebendo que só se pode fazer arte com pele, vísceras, arrebatando o interior. Percebi também que eu tinha um tema - a malandragem [...] o homem precisa ter alguma grandeza, tem de ter um momento de Homem pelo menos. Meu único medo é passar pelas coisas e não vê-las."

Foi assim que João Antônio, escritor e jornalista premiado, definiu a sua motivação para a feitura de contos e reportagens - e também contos-reportagens - durante mais de trinta anos. Dono de inegável talento para a prosa sinuosa, criativa e voraz, João retratou um universo de personagens que habitavam espaços importantes nos grandes centros urbanos (São Paulo e Rio de Janeiro, cidades onde viveu grande parte da vida), mas que normalmente eram apenas caricaturas para outros escritores e jornalistas. Tal retrato era fruto da experiência pessoal de João Antônio, de origem simples, mas principalmente pela vontade e a fome de vivenciar o cotidiano do povo, dos bares e dos puteiros, e das próprias ruas, misturadas e sem filtro.

Há alguns meses, o primeiro disco de Rodrigo Ogi, o agora reconhecido em diversas listas de melhores (nosso disco do ano) Crônicas da Cidade Cinza chegou aos ouvidos do público. Demonstrando particular destreza para condensar em músicas enxutas e versos diretos um retrato vívido de pessoas que habitam a grande São Paulo - e não apenas seu centro expandido - Ogi estabeleceu um trabalho marcante para o rap nacional. O fluxo constante de ideias, a riqueza de detalhes e o humanismo que desfilam pelas faixas sem apelos emocionais traz um paralelo evidente com a literatura de João Antônio. Assim como a linhagem do rap de Brown a Sabotage, Nelson Cavaquinho, Noel Rosa, Lupicínio, Adoniran, repentistas nordestinos e toda a tradição da música brasileira cantada com o foco da realidade, Crônicas... é forte como um soco, cru e direto, sem concessões normalmente visualizadas em trabalhos de quem prefere imaginar apenas o que vê de dentro dos quartos e do ar condicionado dos home offices.

Seria necessário mais do que alguns poucos parágrafos para fazer jus á bibliografia de João Antônio: ainda jovem estabeleceu um clássico já no primeiro livro: Malagueta, Perus e Bacanaço (1963). Ao trabalhar com jornalismo, nunca deixou de manter o olhar afiado, acrescentando elementos ao seu já vasto repertório; quando se aproximou de uma vida típica da "classe mérdea", casado, empregado e pai, deu uma guinada com destino ao aprofundamento de suas relações com o ofício da escrita: "...operário da palavra queimando olhos e criando corcunda sobre o papel e a máquina.", desafeto da cordialidade interesseira de editores, críticos e zé-ruelas em geral.

Fã declarado de João, Ogi relaciona Malagueta... e Guardador (1992) como livros favoritos, assim como os contos Meninão do Caixote e Paulinho Perna Torta. A criação imagética de Profissão Perigo, segunda faixa de Crônicas... não difere tanto de certas passagens de Paulinho Perna Torta. É certo que o motoboy da música de Ogi é um trabalhador honesto, enquanto Paulinho é a malandragem moldada no banditismo. Mas há semelhança na construção do motoqueiro que escapa das armadilhas do trânsito rasgando as vias paulistanas - " Na Vinte e Três de Maio o trânsito engarrafou/mas como sou um veterano sei pra onde vou/Caí numa ruazinha bem no metrô Paraíso/O meu bote foi ligeiro, certeiro e preciso." e o jovem Paulinho e sua bicicleta, funcionário do prostíbulo que diz" Vou pegar a Northmann, subir, desembocar, direto na Barra Funda, ô puxada sentida! [...] Depois, ganho a avenida larga e, numa flechada, alcanço o estádio."

E a linguagem das ruas, a sujeira dos inferninhos e dos botecos, junto de seus habitantes malandros e escolados é tema recorrente para João Antonio, que retrata esse cenário tanto na figura de um leão de chácara como no de um frequentador; é preciso ser da noite pra não pagar de otário. Ogi narra uma dessas noites agitadas em Eu me Perdi na Madrugada: "Pedi uma breja e um licor de cereja/Duas garotas me abordam e uma delas me beija/É o frenesi, eu ali tive tempo de ouvir/Que uma delas era Dani e outra Sueli". O epílogo traz o narrador percebendo que sua carteira havia sido levada durante o "tchaka na butchaka", mas finaliza com "Mas sempre fui ligeiro e ninguém me marreca/Guardei meu graúdo numa parte secreta."

João Antônio também guardava as suas para a imprensa da qual fez parte: na década de setenta, já diagnosticava (ainda que diante de uma realidade distinta da dos dias de hoje):

"O que se está notando na grande imprensa é que ela não questiona mais, ela não interroga mais, ela não coloca em xeque as informações que lhe são trazidas. Então, o que é o repórter hoje? Um bom, hábil, esperto e solerte com paletó e gravata. Sempre com paletó e gravata. Hoje o repórter é um paletó e gravata. Parece um executivo. Bonitinho, muito eficiente, muito espertinho, né?, muito lindo em matéria de informação, de informática e comunicação."

João acreditava que a censura vigente na época mascarava uma preguiça, uma falta de força impulsiva e de simples esforço de pesquisa e reportagem, que gerava um declínio de qualidade nos textos e apatia geral de ideias. Estivesse vivo hoje, lamentaria o fato de que uma geração criada no acesso rápido e vasto da internet produza conteúdo mais raquítico quanto o de anos atrás. A influência da obra de João Antônio foi exemplificada aqui apenas como ilustração. Rodrigo Ogi, mais do que um leitor e fã, também se criou pela cidade pulsante, das ruas e de obras de outros autores, e diante desse caldeirão foi capaz de elaborar e produzir música viva e de qualidade.

O ano de 2011 trouxe outros discos altamente recomendáveis, mas também foi um ano de desacertos na escrita e na fala confusa de quem, ao contrário de João e Ogi, não deu rolês em busca das desventuras e da recompensa, mas preferiu ser comentarista de condomínio. E, de novo, esse comportamento produziu peças pobres de jornalismo cultural e seu reflexo mais próximo, a decrepitude da produção musical. E vice-versa. Foi um ano de Ogi, Criolo, Nuda e Test, mas também de ativistas pós-meméticos e Bandas Mais Bonitas da Cidade. Que as boas inspirações se sobreponham á mediocridade em 2012. E que tenhamos mais rua, malandros, mulheres, cachaça, botecos e menos nazis, Kassabs e fanáticos religiosos. Não podemos passar pelas coisas sem vê-las. Feliz ano novo.

<p>&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://rodrigo-ogi.bandcamp.com/album/cr-nicas-da-cidade-cinza"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;Crônicas da Cidade Cinza by Rodrigo Ogi&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;</p>

* Trechos de contos e entrevistas extraídos do livro Leão-de-chácara: São Paulo: Cosac Naify, 2002

Parks and Recreation reúne humor e política

2011-12-19T23:41:00.002-03:00

Por Letícia Scheifer

Criada em 2009, Parks é uma série encabeçada por Amy Poehler(mais conhecida por seus papéis no Saturday Night Live), que mostra a rotina defuncionários da prefeitura da fictícia cidade de Pawnee, Indiana. A personagemde Poehler, Leslie Knope, é vice-diretora do Departamento de Parques eRecreação, e possui como principal característica uma personalidadeentusiasmada (por vezes até demais) com o seu trabalho.

O seriado é conduzido exatamente através das discussões políticas que envolvem oDepartamento, mas isso fica equilibrado com o retrato dos relacionamentos entreos personagens. Ron Swanson é o chefe de Leslie e, ironicamente, se posicionapoliticamente como libertário e anti-Estado. Tom Haverford é um colega deLeslie, com um humor particularmente ácido e um ego quase tão grande quanto suapopularidade.

April Ludgate é a secretária estagiária, uma jovem cínica que, por não fazer seutrabalho corretamente, acaba se tornando a pessoa ideal para que Ron evite sercontatado pelos cidadãos. Outros dois personagens importantes são Ann Perkins,enfermeira e melhor amiga de Leslie e Andy Dwyer, ex-namorado de Ann edesempregado por um bom período de episódios.

Gravada noestilo mockumentary (que utiliza asátira através da forma narrativa de documentário, com depoimentos dospersonagens), a série pode ser considerada um retrato da vida americana nascidades pequenas e conservadoras. O personagem de Leslie, a partir de suasconvicções políticas, acaba sendo uma anti-heroína que questiona onão-envolvimento de seus colegas nas discussões democráticas e participaçãocidadã.

É possívelcomparar a série em muitos aspectos com 30 Rock: ambas são lideradas poratrizes-roteiristas do SNL, que após o crescimento na carreira conquistaram umasérie própria, sem contar que os personagens de Tina Fey e Amy Poehler sãomulheres independentes, dedicadas aos seus trabalhos em áreas dominadasmajoritariamente por homens (a política e a produção de TV).

Se nadadisso foi suficiente para te convencer, Parks também tem uma lista grande deconvidados especiais que são referência na comédia americana: Will Arnett(Arrested Development), Louis C.K. (Louie), Megan Mullally (Will & Grace),Andy Samberg e Will Forte (ambos do Saturday Night Live).

Para quem gosta de: 30 Rock, The Office, Community, PartyDown

TOP10 EPISÓDIOS PARA GOSTAR DE PARKS AND RECREATION

Como a primeira temporada da série só teve seis episódios, como papel mais de introduzir os personagens do que realmente aprofundar em suasrelações, acabei os excluindo do Top 10. Caso prefira começar a assistir pelaordem, já adianto que as temporadas seguintes são infinitamente melhores.Atualmente, Parks and Recreation está na quarta temporada (com a quintaconfirmada). O último episódio, 410, foi ao ar no dia oito de dezembro e asérie volta do intervalo de Natal em janeiro – dá tempo de assistir todos os 56nas férias!

10.409 – The Trial Of Leslie Knope

9.403 – Born & Raised

8.407 – The Traty

7.204 – Practice Date

6.201 – Pawnee Zoo

5.302 – The Flu

4.307 – Harvest Festival

3.313 – The Fight

2.315 – The Bubble

1.305 – Media Blitz

Melhores de 2011: Top 30 discos brasileiros

2011-12-11T22:42:00.001-03:00

Alguns dados relevantes sobre essa lista: dos primeiros dez colocados, 5 são discos de rap; foi impossível cravar a primeira colocação: acabou sendo um "empate técnico", decidido apenas para efeito puramente eletivo. São dois álbuns diferentes, dentro de um mesmo gênero, realizados de forma bastante peculiar: um é mais sujo, direto, sem perder o brilhantismo da subjetividade; outro é belamente executado e sonicamente expansivo. Fato comum: são discos essenciais para 2011 e além, obras incríveis e que merecem a atenção que despertam. A lista ainda inclui ritmos diversos e uma única certeza: é um retrato que permite a observação de uma não-homogeneização do produto final, estilhaçando os limites entre artistas que trabalham de maneira ortodoxa - e com bons resultados - e outros mais aventureiros. Segue:

Ogi - Crônicas da Cidade Cinza resenha
Criolo - Nó na Orelha resenha
Nuda - Amarénenhuma resenha
Emicida - Doozicabraba e a Revolução Silenciosa resenha
Metá Metá - Metá Metá
Douglas Germano - Orí
Ordinária Hit - Funcionário resenha
Mukeka di Rato - Atletas de Fristo
Projota - Não há Lugar Melhor no Mundo Que o Nosso Lugar resenha
Cone Crew - Com os Neurônios Evoluindo
Rashid - Dádiva e Dívida
Bonifrate - Um Futuro Inteiro resenha
Lê Almeida - Mono Maçã
Burro Morto - Baptista Virou Máquina resenha
Passo Torto - Passo Torto
Pélico - Que Isso Fique Entre Nós resenha
Mallu - Pitanga resenha
MarginalS - (disco sem nome) resenha
Hierofante Púrpura - Transe Só
Jennifer Lo Fi - Noia resenha
Blubell - Eu Sou do Tempo em que a Gente se Telefonava resenha entrevista
Karina Buhr - Longe de Onde
Tribo da Periferia - Primeiro Último
Tiê - A Coruja e o Coração resenha entrevista
Naná Rizzini - I Said resenha
Leandro Lehart - Ensaio de Escola de Samba
Graveola e o Lixo Polifônico - Eu Preciso de um Liquidificador
Caçapa - Elefantes na Rua Nova
Gal Costa - Recanto
Test - Carne Humana

Melhores de 2011: Top 50 discos gringos

2011-12-05T17:52:00.001-03:00

Não dá pra dizer que tudo está aqui: tarefa impossível escutar todos os discos possivelmente relevantes. Após o fechamento dessa lista, encontrei sons interessantes que poderiam até tomar o lugar de algum álbum abaixo listado. Mas tomei por critério apenas aquilo que pode representar o mais fielmente o que realmente rolou e teve alta rotação em 2011, contando aí a tal maturação da análise crítica. Ou simplesmente o que soa maneiro mesmo depois de várias audições. Aí vai:

The Streets - Computer and Blues > resenha
PJ Harvey - Let England Shake > resenha
Atlas Sound - Parallax > resenha na Soma
Girls - Father, Son, Holy Ghost > resenha
Braids - Native Speaker > resenha
Shabazz Palaces - Black Up
Gang Gang Dance - Eye Contact > resenha
Wild Flag - Wild Flag > resenha
James Blake - James Blake > resenha
Puro Instinct - Headbangers In Ecstasy > resenha
Destroyer - Kaputt
Laura Marling - A Creature I Don't Know > resenha
Ghostpoet - Peanut Butter Blues & Melancholy Jam > resenha
Nicolas Jaar - Space Is Only Noise
Anna Calvi - Anna Calvi > resenha
Iron And Wine - Kiss Each Other Clean
The Horrors - Skying
Eleanor Friedberger - Last Summer > resenha
Clams Casino - Instrumentals
TV On The Radio - Nine Types of Light
Wild Beasts - Smother
M.O.P.and Snowgoons - Sparta
Battles - Gloss Drop > resenha
St. Vincent - Strange Mercy > resenha
SBTRKT - SBTRKT
Jay Z & Kanye West - Watch The Throne
Zomby - Dedication
Wiley - 100% Publishing
tUnE-yArDs - w h o k i l l
Cut Hands - Afro Noise I
Little Dragon - Ritual Union - resenha
Feist - Metals > resenha
Cat's Eyes - Cat's Eyes
Slow Club - Paradise > resenha
Los Campesinos! - Hello Sadness
The Fall - Ersatz GB
Kate Bush - 50 Words for Snow
Peaking Lights - 936
Elbow - Build a Rocket Boys! > resenha
Noel Gallagher's High Flying Birds - Noel Gallagher's High Flying Birds
Yuck - Yuck > resenha
The Low Anthem - Smart Flesh > resenha
Danny Brown - XXX
Lykke Li - Wounded Rhymes
Cults - Cults
The Vaccines - What Did You Expect from the Vaccines? > resenha
Social Distortion - Hard Times and Nursery Rhymes > resenha
Comet Gain -Howl of the Lonely Crowd > resenha
The Streets - Cyberspace and Reds
WU LYF - Go Tell Fire to the Mountain

Ouça o novo som de Ogi e Stereodubs: Talarico

2011-11-22T02:02:00.001-03:00

Foto: Fernando Ferreira Martins

Eis o primeiro single do projeto envolvendo o MC Rodrigo Ogi em parceria com os produtores do Stereodubs (DJ LX e Léo Grijó): a parada vai render mais coisa no ano que vem, com participações confirmadas de Rodrigo Brandão e Rappin Hood. O som que anuncia o projeto é Talarico, uma canção que utiliza a já notória capacidade de Ogi como contador de histórias e mescla os versos bem colocados com uma melodia que deriva do samba e da música popular "de verdade", geralmente rotulada pejorativamente como brega: pense em Luiz Caldas encontrando Clara Nunes. São pequenas cenas do cotidiano da vida real, som de boteco e não de barzinho.A faixa conta com a participação da cantora Srta Paola. Uma música de respeito sobre aquele tipo de sujeito que não respeita ninguém."Foge sujeito safado/vai se esconder/sebo nessas canelas/corre,corre Talarico/se eles pegarem você vão meter o maçarico." Rá! Ouça:

Também dá pra baixar a faixa aqui.

Slow Club - Paradise

2011-11-19T20:12:00.001-03:00

Não deixa de ser surpreendente que uma das melhores bandas inglesas da atualidade seja um duo garoto/garota praticando um indie-pop aparentemente sem grandes ambições: todo o aparato em torno do grupo formado por Charles Watson e Rebecca Taylor sugere apenas mais uma bandinha twee, fofinha: Charles faz o tipo introspectivo e Rebecca é uma bonequinha loira tímida; dá pra imaginar um comercial da Starbucks estrelado pelos dois. Mas Paradise, segundo álbum desse pessoal de Sheffield prova que eles podem surpreender os mais ácidos críticos. A (perdão) indigência da cena independente da ilha ajuda a explicar, mas não elucida totalmente o motivo de o Slow Club ser um destaque positivo em 2011.

Com uma base instrumental simples de guitarras, violões, teclados e bateria/percussão, a dupla coloca em prática o bom exercício de se criar melodias mais recheadas de curvas, abandonando a linearidade do propósito meramente banal de soar digerível; a impressão é que realmente há uma força de composição que norteia o andamento do álbum, ao invés de pequenos ganchos que se repetem.

Em Two Cousins já temos um exemplo das qualidades do grupo: Rebecca possui bela voz, entoada com intensidade volátil; as harmonias serpenteiam com facilidade; o ataque instrumental preenche espaços e conduz ao elemento mais abrasivo porque há ritmo: sem tirar as mãos do pop, o Slow Club apresenta uma canção capaz de cativar também pela criatividade. If We're Still Alive não estaria fora de lugar em um disco do Givers, toda trabalhada na percussão insistente e riffs sujos: sem mimimi, só curtição. A balada Never Look Back funciona de um jeito que só boas canções podem funcionar: é um dueto com linhas de baixo roubadas de qualquer soul antigo, estaladas de dedo e refrão manjado: a sensação é de que você já ouviu isso antes, mas mesmo assim é bonita e vibrante. Where I'm Waking mistura a energia da abordagem mais agitada com a reflexão melódica característica da banda, Rebecca entregando um "I can see you're looking at me/ You've got the brains/ I've got the body...Lay me down/please lay me down."

A fórmula encontrada aqui parece simples: sem fugir ou temer suas influências, o Slow Club se concentrou em escrever boas canções: não há reinvenção e experimentação, mas também não há brecha para momentos anêmicos: cada faixa de Paradise traz consigo uma boa dose de emoção. O folk quieto de Hackney Marsh e a exuberância de Beginners possuem a mesma vocação para saltar aos olhos - ou ouvidos - mais espertos graças ao entrosamento entre Watson e Taylor na construção das ambiências sonoras. You, Earth Or Ash é uma madrugada pós-tudo sintonizando uma rádio AM encapsulada em forma de canção: o verso "I'm exhausted" é cantado com tamanha emoção por Rebecca que é um daqueles pequenos momentos que engrandecem um álbum. O folk eletrificado em The Dog, adornado pela bateria dura, monotemática de Rebecca e um refrão de dar soquinhos no ar podem fazer alguém engasgar com o frapuccino.

Trabalhar em um campo já repleto de bandas (o universo "indie" do folk-pop inglês: Mumford And Sons, Noah And The Whale, Stornoway, Johnny Flynn, Laura Marling, Emmy The Great, etc) pode ser uma proposta de tiro curto: se a execução for medíocre, a duração será a mesma do interesse e badalação em torno de qualquer coisa nos dias de interwebs: ontem já faz tempo e não interessa. A duplinha de Sheffield - terra de boas bandas, diga-se - evita os clichês ao se apoiar em uma confiança monstro e uma verdadeira paixão pelo pop perfeito. O que eles fizeram em Paradise já merece muito mais do que habitar o sistema de som de paraísos hipster. Use seus fones de ouvido e aproveite. 8/10

Fóssil disponibiliza aperitivo do novo álbum

2011-11-16T18:59:00.001-03:00

Os cearenses do Fóssil preparam o lançamento de Mocumentário, novo álbum do grupo previsto para fevereiro de 2012, da mesma forma arrojada que caracteriza a musicalidade da banda radicada em São Paulo: hoje eles liberaram para download gratuito um aperitivo do novo trabalho; o detalhe é que as canções novas são apresentadas ao vivo, registro da passagem deles pelo Rio de Janeiro em junho desse ano. Uma maneira diferente de apresentar ao público o que será ouvido por inteiro em alguns meses. Assista ao teaser e baixe as seis faixas gravadas na Audio Rebel aqui (via Hominis Canidae).

Shabazz Palaces Ao Vivo na KEXP

2011-11-14T21:16:00.001-03:00

O Shabazz Palaces é o projeto de Ishmael Butler (o Butterfly do Digable Planets) com Tendai Marare. Depois de soltarem alguns EPs em seu site oficial em 2009, eles lançaram o álbum Black Up em junho. Fruto da inventividade de Butler, que não se apoia em bases lineares para construir o esqueleto das faixas, e a habilidade rítmica de Tendai Marare, Black Up reúne canções que se colocam entre a complexidade e a fluidez, trazendo detalhes para o ouvinte mais atento sem abandonar a vocação para a diversão pura. O duo se apresentou no estúdio da rádio KEXP, de Seattle com quatro músicas listadas abaixo; a parada rolou em junho, mas merece ser vista (ou revista) por muito mais gente:

* Bop Hard

* An Echo From The Hosts That Profess Infinitum

* A Mess, The Booth Soaks In Palacian Musk

* Free Press and Curl

Mais sobre o Shabazz Palaces (mini-doc + apresentação ao vivo) no Noisey.

Primeiro Disco #3: Nana Rizinni

2011-11-14T04:54:00.001-03:00

A cantora/instrumentista/compositora Nana Rizinni (que lançou seu primeiro álbum há alguns meses) é a terceira personagem da nossa série de posts sobre a primeira aquisição - ou presente - de discos:

" O primeiro disco que comprei (ganhei da minha mãe), disco não, CD, porque eu sou da era das fitas cassetes... Então foi marcante quando ganhei meu primeiro CD, tinha uns 13 anos. Foi o CD do Pearl Jam. Adorava (ainda adoro). Foi o disco TEN. Lembro que naquela época todos os discos que ganhava ou comprava, ouvia um milhão de vezes e decorava todas as letras das músicas. Era realmente uma época mais romântica. sinto falta. Mas tento fazer isso ainda nessa era digital. Não compro muita mais CDs, mas no itunes organizo tudo por discos e curto escutar o disco todo, a obra toda."

Lançado em 1991, Ten se posicionou como um dos mais bem sucedidos álbuns da era grunge: se Eddie Vedder e companhia não possuíam a simpatia de parte da crítica e de músicos contemporâneos, os fãs já se multiplicavam ao redor das melodias grandiosas do debut do PJ. Vinte anos depois, o registro permanece sendo, querendo ou não, bastante emblemático do rock dos anos 90.O respeito veio com o tempo, como ficou provado nas recentes apresentações no Brasil.

Ogi e Stereodubs liberam teaser de novo single

2011-11-10T13:55:00.002-03:00

O novo projeto do Ogi - autor do excelente Crônicas da Cidade Cinza - com o Stereodubs está no forno: hoje eles liberaram o teaser do single Talarico, que sairá em breve. Assista aí:

St. Vincent - Strange Mercy

2011-11-07T21:49:00.001-03:00

Annie Clark comanda sua guitarra recheada de pedais de efeitos e sua voz oscilante sob a nomenclatura de St. Vincent há três álbuns. O terceiro, Strange Mercy, é o que a musicista norte-americana nos oferece em 2011. Não há dúvida de que sua maneira de construir canções pop começa a tomar forma bastante pessoal: se elementos de dream pop, rock, eletronica e suítes jazzísticas são elementos explorados por inúmeras outras bandas lideradas por vozes femininas, Annie encapsulou sua própria alquimia em Strange Mercy, mais claramente do que em seus outros dois bons discos. Temos aqui um pop de apelo radiofônico, porém cheio de espaços, arranjos diferenciados, letras espertas; música acessível, sem chateações mas com os dois pés na criação não ortodoxa.

Chloe in the Afernoon é montada sobre camadas de sintetizadores, Annie cantando suavemente e alongando notas enquanto distribui riffs intromissores; é um exemplo de como o som do St. Vincent se distribui entre a calma e a estranheza, sem que essa dissonância se torne tão extravagante a ponto de estragar o resultado. Cruel é uma mutação do chamber-pop com o electropop, o ponto em que as letras de Clarke fazem efeito conjunto, mesmo que os versos revelem apenas a superfície de um mundo particular: "Forgive the kids for they don't know how to live/Run the alleys casually/Cruel, cruel". Tal vivacidade lírica ganha mais peso em Surgeon: guitarras costurando o refrão (que veio de uma frase de Marilyn Monroe): "Best, finest surgeon/Come cut me open"; soa opressivo, desnorteante e verdadeiramente original. Nem só de esquisitices vive Strange Mercy: Northern Lights é um indie rock linear de som processado por efeitos, salvo pela voz sempre limítrofe de Annie. A canção que dá título ao álbum caminha por uma melodia quase perfeita, de levada metronômica e romantismo melancólico. O controle das opções no processo de entrega do St. Vincent é mais do que apreciável: quando um padrão parece se formar, uma música demonstra outra forma de apresentação.Neutered Fruit traz a visão de uma flor comestível, cores, explosão de flechas, coelhinhos fujões e outras reações cerebrais a estímulos diversos; Champagne Year é mais um belo exercício de pop alienígena, uma balada minimalista que possui os versos menos herméticos do disco: para a compositora, a transmissão de suas intenções e experiências se dá muitas vezes pelo uso de referências (exemplo da música Surgeon), mas também pela sinuosidade do conjunto de palavras.

Um dos trabalhos mais bem executados de 2011, Strange Mercy abre uma discussão interessante: É possível trabalhar com elementos díspares e soar orgânico? St. Vincent possui uma sonoridade que sugere um processo bem racional e atencioso na criação, mas o que dá vida às canções realmente é a emoção conflituosa presente em cada verso e acorde do álbum. De alguma forma, a compositora foi capaz de transformar momentos puramente instintivos em música que possui várias facetas. O pop "cabeça" e o de assobio fácil, a frieza de certos tons com o calor da execução. Para Annie Clark, a resposta da pergunta acima é "sim". 8/10

Primeiro Disco #2 : Some Community

2011-10-30T20:41:00.001-03:00

Seguindo com nossa nova série de posts, dessa vez é o pessoal do Some Community que conta qual foi o primeiro disco da vida deles. Com a palavra, a vocalista Juliana e o guitarrista Fernando:

Juliana:

"O primeiro disco que eu comprei com um dinheiro que tinha guardado foi um cd do Depeche Mode Songs of Faith and Devotion. Nesta época eu já assistia MTV e tinha ficado fissurada no clipe e na música One Caress e naquela época o único jeito de ter uma música pra ouvir no repeat era comprar o cd... Comprei e fiquei louca com as outras músicas. O disco inteiro é foda. Eu sempre ouvi mais rock do que outras coisas mas naquela época não acredito que tinha um gosto musical muito demarcado. Não sabia quem era o Depeche Mode pra história da música mas adorava aquilo e ouvia sem parar. Aliás eu tenho essa mania de escutar coisas no repeat por um tempo longo...Ah, eu devia ter uns 11/12 anos nessa época."

Oitavo disco da banda inglesa, Songs of Faith and Devotion foi lançado em 1993, em meio ao furacão grunge. Pop eletrônico sombrio com influências e arranjos mais pesados na fórmula. Os fãs do grupo teriam de esperar mais quatro anos para um novo álbum de inéditas, devido ao sério problema de Dave Gahan com a heroína durante a turnê de ...Faith and Devotion.

Fernando:

"O primeiro disco que me marcou foi um que meu pai comprou pra mim.O Loaded do Velvet Underground. Eu lembro que estavamos na galeria do rock e ele me disse que esse disco ia mudar minha vida. Ele tinha toda a razão do mundo (risos)."

Lançado em 1970, Loaded foi o último álbum da banda novaiorquina com Lou Reed à frente. Para muitos, o quarto disco do Velvet Underground é o mais bem realizado de toda a discografia. Clássicos como Sweet Jane, Rock & Roll e I Found a Reason reforçam a ideia.

Primeiro Disco #1 : Lê Almeida

2011-10-21T13:42:00.000-03:00

Taí uma nova seção do blog: perguntamos pra uma porrada de gente boa qual foi o primeiro disco que eles compraram na vida. Por disco, entenda-se qualquer formato que tenha introduzido nossos ilustres convidados em uma imersão musical sem retorno. Pra começar quente, Lê Almeida, o cara que lançou esse ano o Mono Maçã, ótimo disco de rock garageiro lo-fi e melódico e que comanda a gravadora Transfusão Noise Records diretamente da baixada fluminense, sempre no esquema "muita inspiração com pouco recurso", difundindo o auto proclamado "roque de guitarra" para o mundo.Fala aí, Lê:

"Então, o primeiro disco que comprei com consciencia mesmo acho que foi o In Utero do Nirvana, eu já conhecia o acústico, Nevermind e o Bleach na época mas o In Utero chapou com a minha cabeça e as minhas viagens. Lembro que ouvia o disco no rádio da minha vó o tempo todo e na minha cabeça sempre passava a ideia ruim de que embora no disco tudo fosse tão real e bonito eu de fato nunca veria ao vivo, fato triste. Nessa época eu andava de skate com uma turma e esse disco foi muito trilha. "

Banda: Nirvana

Álbum: In Utero (1993)

Nota: Último álbum de estúdio da banda, um disco que mostrava um Cobain revelando seus atributos e conflitos: tumultuado liricamente, com músicas que colidiam freneticamente entre as referências melódicas pop e a agressividade punk.

The Hour, a boa surpresa da TV em 2011

2011-10-19T14:15:00.001-03:00

O ator inglês Dominic West, o policial McNulty da antológica série The Wire (exibida pela HBO nos EUA entre 2002 e 2008) certa vez fez um comentário a respeito da grande presença de atores britânicos na tv americana: West via uma grande oportunidade de fugir dos dramas de época da BBC, segundo ele muito bem feitos mas que limitavam sua performance e o alcance junto ao público exatamente por seguirem fórmulas definidas e não contemporâneas; exemplificou demonstrando que sempre era escalado para papéis de aristocrata, enquanto McNulty e The Wire representavam uma realidade atual e um personagem da classe trabalhadora. Dominic está de volta á tv britânica com a série The Hour, algo que se situa em um meio termo entre as escolhas observadas anteriormente: o programa não se situa temporalmente no período pré-guerras, mas também não se passa nos tempos atuais, mas sim em 1956. Hector Madden, seu personagem, possui um perfil mais ligado ao oportunismo burguês do que a um lorde imperial.

The Hour segue o interlaçamento de relações entre Hector Madden, Freddie Lyon (Ben Whishaw) e Bel Rowley (Romola Garai): Bel é a produtora jovem e dinâmica do programa jornalístico The Hour, recém aprovado na grade da então ultra conservadora BBC; auxiliada pelo seu amigo íntimo Freddie, um repórter audacioso e temperamental, tentam dar vida a uma certa independência jornalística: Madden, é o âncora escolhido pela direção devido aos seus bons contatos na alta sociedade e que disputará o espaço com Freddie - profissionalmente, e também pelo afeto de Bel. Em meio aos eventos políticos do pós guerra - a crise do canal de Suez, um grande golpe no decadente império britânico - uma trama envolvendo misteriosos assassinatos.

Os ingredientes estão lá: mudanças sociais e políticas (Bel é uma mulher que chefia um grande programa e se envolve com o casado Hector Madden, Freddie ascende profissionalmente apesar de sua origem pobre, imigrantes dos países descolonizados aportam em massa pela Grã- Bretanha encontrando o racismo de um país alienado por devaneios e frivolidades, etc). A série opta por dividir o espaço do drama com o suspense, quando aponta para o envolvimento de agentes secretos e poderes obscuros na morte de uma amiga de infância de Freddie. O perigo de perder o foco vai sendo dissipado ao longo dos episódios - são seis no total - e a direção e roteiro de Abi Morgan equilibram os pratos em parte pela interpretação mais do que adequada do trio principal e de coadjuvantes precisos. A dimensão dos personagens também vai se ampliando ao longo do programa, e nuances começam a fazer sentido de forma harmônica: a tensão sexual entre a esguia Bel e o galã Hector em contraste com o amor platônico do esquelético Freddie por Bel evita clichês dos triângulos amorosos.

A música ouvida na Londres de 1956 era predominantemente ligada á crescente influência da cultura norte-americana, passando pelo jazz e pela pré história do rock, com Bill Haley, mas também começava a incorporar os sons trazidos pelos imigrantes das ex-colônias africanas e caribenhas (esses últimos ainda sem grande penetração entre brancos da classe média).

Dominic West voltou a estrelar um programa da BBC, mas não conseguiu ainda seu sonhado papel de trabalhador comum em uma série com fundo contemporâneo em seu país; pelo menos The Hour é um bom show, muito mais do que um Mad Men genérico.

O novo EP do Trash Talk

2011-10-10T21:18:00.002-03:00

O novo EP dos californianos do Trash Talk sai amanhã (11/09) nos EUA pelo selo True Panther Sounds. Contendo cinco faixas, Awake sucede o álbum Eyes & Nines (2010) e o split lançado com a banda Wavves. O disquinho já rendeu dois videoclipes que você confere aí embaixo, no melhor estilo agressivo do hardcore praticado pelo quarteto: tags óbvias: skate or die, fuck tha police...

Mallu Magalhães - Pitanga

2011-10-07T12:07:00.000-03:00

Talvez seja sintoma de uma crítica recheada de vícios que o preâmbulo de uma resenha seja dedicada não ao conteúdo musical em si, mas á percepção que existe em relação ao autor da obra. Simplesmente por força contextual, é importante lembrar que Mallu Magalhães surgiu como prodígio aos 15, foi alçada a uma condição de estrela de uma suposta cena indie-folk paulistana (mentira, nunca existiu), para rapidamente decair no conceito de parte da imprensa especializada, sob acusação de fazer música simples e inofensiva demais, como uma espécie de fenômeno adolescente descartável. Para além disso, argumentos que sustentavam essa percepção esbarravam perigosamente em concepções vazias, e não raro sexistas. Mais uma vez, uma discussão saudável sobre os méritos - ou falta de qualidade - da compositora foram deixados de lado para dar espaço ao conjunto de erros que atrapalham a credibilidade dos textos sobre música no Brasil: falta de opinião e/ou informação incompleta e/ou inconsistência argumentativa.

Ok, agora podemos falar do que interessa: Pitanga é o terceiro álbum da cantora paulistana, uma marca impressionante para seus 19 anos de idade. O disco foi gravado em São Paulo com a produção de Marcelo Camelo, e o ritmo das gravações avançou lentamente (Mallu descreveu o processo em detalhes em seu blog). Uma das primeiras impressões era a de que o esmero em encontrar timbres corretos pudesse tornar o álbum polido demais, pensado em demasia, e que o elemento de dinamismo pudesse se perder. A tal insegurança descrita pela cantora em seu blog nas escolhas feitas, aliada a uma admirável voracidade em conhecer a obra de artistas diversos sinalizava que Pitanga poderia ser carregado demais: em referências, em arranjos, em devaneios. A primeira grande surpresa é que, das doze faixas, apenas quatro ultrapassam a casa dos dois minutos. E apertando o play qualquer suspeita de pretensão mal concebida de desfaz.

Velha e Louca traz um equilíbrio entre a preferência pela melodia, uma letra mais esperta, levada por uma valsa bluesy entremeada por um recheio bem leve e preciso, Mallu soando mais direta nos versos: "Pode falar que eu não ligo/agora, amigo/eu tô em outra/ eu tô ficando velha, eu tô ficando louca." Cena se aproxima daquela admiração pela música brasileira, e chama a atenção novamente pelos arranjos: Camelo deixou espaços e ambientes dentro das canções sem abandonar a busca pelo tiro certeiro. Daí a explicação para a busca pelos instrumentos específicos e takes adequados que consumiu tanto tempo e trabalho no estúdio. Essa Mallu de Pitanga "tem um coração vulcânico." Sambinha Bom e Olha só, Moreno são baladas abertamente românticas, mas permitem que se encontrem brechas de fragilidade que enriquecem o trabalho da garota como compositora: "E eu me pergunto o que é que eu sou/mas eu não sou mesmo nada...e eu tenho tanto medo." É um grau de construção lírica que a Mallu de discos anteriores costumava evitar, ou apenas não possuía a maturidade para expor. A metade de Pitanga é fechada com Por que voce Faz Assim Comigo: talvez a mais bem entregue canção da carreira da cantora, é adornada por uma instrumentação esparsa na aparência - mas que preenche espaços de forma bela - "Talvez eu deva ser forte/pedir ao mar por mais sorte/e aprender a navegar": Tchubaruba isso não é.

O "lado B" do trabalho mantém a coerência e qualidade apresentadas no início. Na verdade, aqui já podemos identificar outra característica do álbum: dentro das pequenas canções, há momentos, detalhes e curvas que se traduzem de maneira sutil, fazendo com que a audição repetida seja um exercício recompensador. Baby I'm Sure e In The Morning são curtíssimas e ricas. Lonely é mais linear, mas com enorme segurança se impõe através de uma das melhores melodias do disco; Highly Sensitive adiciona um bem vindo aceno ao rock rápido e rasteiro. Cais encerra o trabalho com uma delicada transposição de pianos e ruídos.

Pitanga é o melhor disco de Mallu Magalhães: ela nunca soou tão confortável com sua voz (algo perceptível em apresentações recentes): modulando seus alcances e usando mais a intuição, nem as limitações atrapalham o desenvolvimento da harmonia; suas composições agora possuem letras mais diretas, que denotam emoções menos superficiais, ao mesmo tempo em que suas referências tão grandiosas e díspares (Dylan, Vinícius, Billie Holiday, Gainsbourg, Luiz Bonfá, Mutantes, Ella Fizgerald, etc.) são incorporadas em pequenos pedaços, como quem se assume como aprendiz e não inventora. Sem nenhuma condescendência quanto á idade ou resistências baseadas em preconceitos bobos, Pitanga pode ser considerado um álbum de confirmação, embora ainda deixe espaço para a visão de melhorias. Mallu Magalhães vai ficando mais velha (ou menos nova), mas seu trabalho só melhora. 8/10

Feist - Metals

2011-10-04T01:01:00.000-03:00

Leslie Feist possui uma folha corrida no circuito independente do Canadá, já que circulou por bandas diferentes e menos conhecidas desde os anos 90, no cultuado Broken Social Scene, com a Peaches e até mesmo já teve composição reinventada pelo inglês James Blake. Mas a maioria das pessoas vai se referir á moça como "fofinha do indie-pop", porque seu álbum lançado em 2007, The Reminder, alcançou as paradas impulsionado pelo hit 1234, que ilustrou propaganda da Apple e rendeu vídeozinho viral. Parece que o sucesso trouxe algum tipo de reflexão, já que Feist só retornou com novo trabalho agora: Metals, e o que o disco oferece é algo que funciona como um contraponto mais introspectivo e dark, deixando o brilho leve do trabalho anterior para trás.

The Bad In Each Other inicia com andamento marcado por bateria e lamentos carregados até encontrar um refrão adornado por arranjos de cordas, num joguete que serve de parâmetro para o clima do disco: perfil mais quieto, crescendos menos óbvios, arranjos adequados e sem exageros e letras tristes. Sombra, luz, sombra; Leslie Feist sabe adequar seu alcance vocal e sua intuição para esse objetivo. Graveyard é mais homogênea, mas igualmente bem construída e bela. How Come You Never Go There traz a insatisfação com a covardia nas relações humanas e sinaliza para um momento mais animado ritmicamente do álbum: a música seguinte, The Circle Married The Lines, traz violinos tensos, quebra com coral gritando "A Commotion!" e refrão pegajoso. Nenhuma surpresa que a grandiosidade seja deixada de lado em Bittersweet Melodies, uma simples, low key canção levada por poucos e esparsos elementos: esse é um disco de introspecção não forçada. Anti-Pioneer, de trôpega levada waitsiana é um dos destaques da parte final de Metals. Cicadas And Gulls é só folk mesmo, mas não um arremedo Starbucks-style, mais para aquele esquelético instrumental que te carrega pra dentro das letras e do vocal do artista. A quietude fecha com Comfort Me - Feist despida e crua e Get It Wrong, Get It Right, balada cristalina e efetiva.

A menina fofa do indie está mais pra aquela que se esgueirava no underground de Calgary com sua banda adolescente Placebo (não aquela do Brian Molko) ou a "Bitch Lap Lap" da Peaches. De uma maneira adequada: seu senso de pop bem trabalhado permanece, mas com um coração sujo por dentro. 8/10

Adeus Redson

2011-09-28T11:40:00.002-03:00

Foi noticiada a morte de Edson Lopes Pozzi, o Redson, vocalista da banda punk Cólera. Redson faleceu nesta terça-feira, segundo informações do baixista Val Pinheiro na página da banda no Orkut. A página do Cólera no Facebook também divulgou a informação. A banda forma da em São Paulo em 1979 é uma das mais importantes do punk rock nacional. Álbuns como a estreia Tente Mudar o Amanhã (1984) e Pela Paz em Todo o Mundo (1986) são clássicos absolutos do rock brasileiro. O Cólera se mantinha ativo com algumas apresentações esporádicas. O último disco da banda é Deixe a Terra em Paz, de 2004.

Há algumas semanas atrás, Tente Mudar o Amanhã voltou a ser um dos discos mais ouvidos por mim. A primeira vez que tive contato com o som do Cólera foi através da coletânea Ataque Sonoro (1985). A capa, as fotos dos integrantes das bandas presentes naquele vinil, as letras, a pegada, tudo me impressionou demais - eu era um molequinho acostumado a ouvir "Rock Brasil" nas FMs. Dá pra dizer que, alguns anos mais tarde, a força daquela experiência ajudaria a moldar muito meu comportamento e meu interesse por música. Recentemente pensei em entrar em contato com os caras da banda para conversar sobre formas de produção nos anos 80. Exatamente por isso - não só - estava ouvindo novamente com atenção o primeiro disco da banda. É com grande tristeza que sou obrigado a escrever a respeito do Cólera sob essa perspectiva: a perda de um dos grandes vocalistas e ícone torto que viveu na caótica cidade de São Paulo, e cantou sobre ela e sobre todas as questões que são jogadas com força na nossa cara com raiva, perspicácia e ternura. Adeus, Redson.

Los Campesinos! - By Your Hand video

2011-09-24T01:05:00.000-03:00

Aperitivo para o novo álbum do pessoal de Cardiff, Hello Sadness, que será lançado em novembro no Reino Unido.By Your Hand será o primeiro single do disco.

MarginalS - (disco sem nome)

2011-09-23T09:30:00.000-03:00

Quem já teve a sorte de presenciar o encontro desses caras - eles vem tocando juntos desde setembro do ano passado - já teve um gostinho da diversão rica em texturas proporcionada por Marcelo Cabral (baixo acústico), Thiago França (sax, flauta) e Tony Gordin (bateria). Músicos de responsa que fazem ou fizeram parte de trabalhos (como produtores e/ou músicos) de gente como Kiko Dinucci, Instituto, Criolo, D. Inah, Rodrigo Campos, entre outros, montaram o MarginalS para exercer o improviso nas noites paulistanas. Com impressionante sensibilidade, o trio apresenta uma sintonia nos shows com uma combinação sinuosa de jazz, ritmos africanos ancestrais e seus descendentes norte-americanos, passando até pelo rock. Agora temos á disposição um registro dessa saudável simbiose em forma de disco.

A fluidez do ataque da banda não é fruto de uma meticulosa investida em composições fechadas, mas sim uma verdadeira força do exercício livre: quando há citações de suspeitos usuais como Coltrane e Fela Kuti elas não são inapropriadas, mas o MarginalS vai além com acenos variados dentro de uma gama variada de improvisações amarradas com muitos truques e habilidades. Sem dissonância, os ritmos se fundem de forma falsamente simplória, não fosse a raiz dessa simplicidade uma grande capacidade compreensiva acerca das subjetividades da música: a beleza está exatamente na maneira como o que, em tese, pode ser intrincado permanece como um coração pulsante em nossos ouvidos. Entortando pra balançar os pés e a cabeça com um mundo de informação e alma por dentro: uma boa síntese desse disco tão rico e instigante. 9/10

Pra baixar a estreia do MarginalS, clique aqui.

O trio se apresentou no programa multimídia Cultura Livre, da Cultura Brasil: confira abaixo

Manic Street Preachers + The The

2011-09-19T12:24:00.000-03:00

Os galeses do Manic Street Preachers vão parar por um tempo. Antes disso, lançam uma nova coletânea: National Treasures - The Complete Singles trará os 38 compactos, cobrindo toda a errática e longeva carreira do grupo britânico. O novo single é um cover do hit oitentista This is The Day, do The The. O vídeo mostra imagens de arquivo da banda, incluindo os principais momentos da trajetória, sem esquecer do antigo letrista Richey Edwards. O Manics tocará todos os singles ao vivo, em apresentação única no mês de dezembro em Londres.

Projota - Não Há Lugar Melhor No Mundo Que o Nosso Lugar

2011-09-19T08:26:00.000-03:00

Quarto trabalho do Projota (entre mixtapes e EPs), Não Há...encontra o MC da zona norte paulistana em grande forma, distribuindo versos contundentes entre as batidas produzidas, em sua maioria, por Laudz e DJ Caíque. A forma e a construção do disco denotam uma opção pela coesão: mais do que uma mixtape "costurada", há um verdadeiro senso de criação de climas e picos, o suficiente para equilibrar a distribuição das canções.

O hit Pode Se Envolver, carro-chefe da divulgação de Não Há...é uma das melhores músicas do ano: contando com a destreza de Projota e dona de belo flow e encaixe rítmico, pega logo na primeira audição; celebratória e contando a trajetória de "uns menino bom/que trabalha e faz um som", traz um retrato simples e sem retoques da periferia que trabalha e se diverte. Nós Somos um Só é bonita no invólucro, mas como um bom rap, carrega nos versos o peso de imagens pouco agradáveis da desigualdade: uma mensagem de persistência diante de obstáculos quase intransponíveis. Recado claro: "Não lute contra mim enquanto existem tantos Kassabs por aí". O tal equilíbrio aparece na sequência, com Mais do Que Pegadas: positivo depoimento de sua trajetória no rap, aliviando um pouco o soco mas sem perder o punch. Resident Evil foge dos clichês no trato com o tema do crack consumido por centenas nas ruas das imediações do centro de São Paulo (não só): " coração bate/o cérebro lateja/a alma flutua/o corpo rasteja/vidros sobem, a noite cai/ o resident evil tá la fora, não sai". Rap do Ônibus é mais um retrato do trabalhador comum destratado no transporte público: "Dá mais trabalho chegar no trabalho do que trabalhar". Vai Clarear funciona melhor do que livros de auto-ajuda ou vídeos corporativos sobre superação: a realidade contada é mais dolorosa, porém muito mais efetiva. Há beats que se alternam entre o acompanhamento e a quebra, refrões fortes e passagens mais dark, tudo funcionando. A segunda metade do disco segue em alto nível, entre a diversão de Azz Veizz e suas mulheres quase impossíveis, os violões de Carrinho de Feira, a insistente batida da romântica A Cama e a épica Em Volta da Fogueira.

Projota realizou um trabalho bastante sólido, recheado de pancadas e beleza, com uma grande perícia característica dos grandes MCs. Pra quem ainda insiste em enxergar o rap como um alien a ser analisado não por seus méritos musicais mas como um estudo político-social um pedacinho de contexto:

" E sempre tem alguém pra falar mal/impressionante mesmo é que quem fala raramente tem moral" 8/10

Clique aqui para baixar a mixtape.

Arctic Monkeys - Suck It and See It video

2011-09-19T03:15:00.000-03:00

A ambição do Kasabian, a energia do Wild Flag

2011-09-16T02:09:00.000-03:00

Dois discos com lançamento dentro dessa semana merecem a atenção, por motivos diferentes: Velociraptor!, quarto disco dos ingleses do Kasabian, e a estreia das americanas do Wild Flag. Propostas e situações com pouca coisa em comum, mas com bons resultados:

Desde o fim do Oasis a Inglaterra parece sentir a falta de uma grande banda de rock, que opere com grande aprovação popular e seja capaz de alinhar a urgência juvenil em escala maior. É bem verdade que a banda dos irmãos Gallagher andava devendo melhores álbuns, mas seus shows ainda eram capazes de mobilizar mais do que saudosos; bandas como o Arctic Monkeys e os novatos do Vaccines muitas vezes se vêem presas aos rótulos da imprensa britânica, e o sucesso de Coldplay e Muse não se distancia muito da roupagem de bandas como o U2. Falta mais sangue, boas canções e desejo de ser mais do que a sensação indie. O Kasabian parece ter se preparado para ocupar esse espaço. Seus dois últimos álbuns alcançaram o primeiro lugar da parada britânica, mas Velociraptor! parece ser o mais coeso trabalho dos caras.

Utilizando uma alquimia que reúne Kinks, Who, psicodelia e acenos para o rock dançante-agressivo - não diferente dos trabalhos anteriores - o Kasabian entrega um disco redondo, equilibrado entre rocks-hino (Days Are Forgotten, Velociraptor!), baladas (Goodbye Kiss) e pequenas peças pop levemente intrincadas (La Fee Verte, Acid Turkish Bath). Sem desperdiçar nenhum momento e enxugando possíveis gorduras, Velociraptor! só pode ser criticado exatamente por seguir uma fórmula e produção que favorecem uma certa uniformidade asséptica, algo que se anula pelo poder das ótimas composições. É improvável que sejam aceitos no mercado norte-americano, mas sua influência e popularidade na ilha devem crescer ainda mais. 8/10

O primeiro disco do Wild Flag possui um tipo de sonoridade forte que só a experiência anterior de suas integrantes pode explicar: Carrie Brownstein e Jante Weiss tocaram no Sleater- Kinney, Mary Timony era a líder do Helium e Rebecca Cole foi do The Minders. Dá até pra chamar de supergrupo, exceto pelo fato de que, mais do que um projeto de resultado díspare, o Wild Flag se parece mesmo como uma banda, uma unidade funcionando em alta rotação. Com dez músicas e duração parecida com os antigos LPs - direto, cru e adequado - a estréia das garotas de Portland e Washington D.C. surpreende pelo frescor: ao invés de veteranas do underground atirando suas últimas pedras, o Wild Flag é mais um renascimento criativo (embora Mary tenha uma boa carreira solo).

Integrando uma costura de guitarras duelantes, abrasividade e melodia, há muitos ganchos aqui para prender o ouvinte, mesmo após diversas audições. Romance é uma furiosa releitura new wave, Glass Tambourine se aproxima de um garagismo sixties, Endless Talk é rock setentista, Short Version é meio que tudo isso junto mais pós-punk. Sem se apoiar em referências óbvias, o Wild Flag vai flertando com extrema facilidade num universo rocker sujão e pop ao mesmo tempo. O que é objeto de extremo esforço para algumas bandas, é realizado como quem nem se importa pelo Wild Flag. Provavelmente porque elas realmente não tem mais paciência para expectativas e operam com consistência no cenário independente americano .Discão. 8,5/10

Rosana Bronks - Frenesi vídeo

2011-09-15T17:15:00.000-03:00

Clipe da música nova do Rosana Bronks, aquecendo para o disco novo, sucessor de Jogar Pra Ganhar (2007) que deve sair em 2012. Participação da cantora Drica Rizzo:

Wilco - The Whole Love

2011-09-11T05:06:00.000-03:00

A banda de Jeff Tweedy vai resistindo ao tempo e ao escrutínio daqueles que se encantaram pela fase encapsulada a partir do quarto disco (Yankee Hotel Foxtrot, 2002), quando o Wilco se tornou uma banda mais "séria", capturando alguns experimentalismos com a ajuda do produtor e multi-instrumentista Jim O'Rourke. Até então, os álbuns dos caras de Chicago arranhavam os vestígios do alt.rock, mas mergulhavam sem vergonha em uma busca pela perfeição dos elementos básicos do rock. Melhor exemplo: Being There, de 96. A fase anos 2000 trouxe prêmios e mais elogios da crítica para a dupla Yankee / A Ghost Is Born (2004). O problema de se posicionar como uma banda de rock vanguardista - ou chata, dependendo de quem compara - é exatamente o patrulhamento daqueles que sempre esperam que o próximo disco seja uma espécie de afirmação definiva. Tweedy tratou de evitar tais especulações com Sky Blue Sky (2007) e Wilco (The Album) (2009), discos "pequenos" e sem a mesma ambição. O único problema desses trabalhos não é a ausência de toques experimentais mas a falta de inspiração de algumas músicas, resultando na irregularidade. Em uma análise mais sensata, Tweedy estava em um período de transição criativa, exercitando seu poder de escrever boas canções com poucas intervenções de estúdio. Funcionou como ensaio para The Whole Love, como veremos a seguir:

Art Of Almost, com sua eletrônica fria e germânica parece indicar uma volta aos tratados de estúdio, porém a música vai se desdobrando em algo mais orgânico, de forma que há um equilíbrio final elegante e calcado apenas em uma composição firme. I Might encontra o "velho" Wilco desenhando um pop redondo recheado com uma construção - ou reconstrução - de riffs e linhas de baixo soltas, emolduradas apenas pelos teclados.A leve psicodelia de Sunloathe reafirma a impressão de um Jeff Tweedy focado e longe da letargia. Até mesmo a simplicidade de Dawned On Me é entregue com mais energia e entusiasmo, versos, pontes e refrão trabalhando direitinho. Black Moon traz de volta a melancolia em um folk de arranjos densos: há uma química funcionando perfeitamente, a voz de Tweedy conduzindo uma espécie de valsa, com a steel-guitar e os dedilhados de violão. Uma aproximação com a emoção mais simples e a pegada de um par de versos adequados traz o brilho de Open Mind: não é apenas com intrincada combinação que se faz um disco vencedor.Standing O despeja um glam-rock destemido, seguido por Rising Red Lung, o tipo de minimalismo folk que atinge o ouvinte com a mesma eloquência da canção anterior: escalas diferentes, efeitos iguais. One Sunday Morning encerra o álbum com 12 minutos de delicada e insistente beleza: sem apelar para nada além de uma canção circular, o Wilco finalmente se livra de uma incômoda seca de trabalhos inteiramente convincentes.

The Whole Love se insere na prateleira cada vez menor de discos de rock adulto: longe do superficialismo ou da redoma de ar rarefeito dos círculos indies atuais, longe do cabecismo que o próprio Wilco já flertou. 8,5/10

Kate Moss ainda é rock'n'roll...

2011-09-07T05:28:00.000-03:00

...pelo menos para a empresa de cosméticos inglesa Rimmel, que a convocou para sua nova peça publicitária. Kate invade uma sessão de estúdio dos Vaccines e tenta tocar If You Wanna com os caras. Antes disso ela trolla outras modelos ao som de White Stripes (Little Bird), e no fim pega um helicóptero com Brian Jonestown Massacre (Oh Lord) de trilha. Business as usual.

O rap trabalha, o jornalismo dorme

2011-08-29T18:31:00.000-03:00

Projota

A recente ascensão de nomes como Criolo e Emicida, indicados para a premiação anual da MTV e citados constantemente pela grande mídia como revelações trouxe mais do que curiosidade sobre o rap: trouxe também algumas velhas falhas e preconceitos arraigados em boa parte do jornalismo cultural brasileiro, assim como os hábitos de consumo dessa cultura pelo público. A cobertura sobre a inserção do estilo musical em áreas normalmente compartilhadas pela classe média é quase sempre tomada pelo desequilíbrio: há quem considere uma revolução, outros rechaçam veementemente qualquer indício de validade. Um erro comum é a insistência em agrupar nomes diferentes sob um mesmo rótulo - no caso, "novo rap" - seja para glorificar ou diminuir sua importância. Mas essa é apenas a superfície de um problema mais sério: para que um gênero criado e consumido pelas periferias e favelas possa ser ao menos notado, ele deve passar pelo crivo de quem ainda acredita em dirigismo. Essas pessoas refletem a velha dicotomia de que música de qualidade tem que possuir um invólucro de aceitação, sendo a outra parte uma cultura pobre, alimentada por ignorantes "pardos". Música de pobre, no Brasil, é vista como um produto sem apelo comercial (embora milhões vejam vídeos no Youtube de artistas periféricos), sem valor artístico e desprezível. Os mesmos que possuem essa visão acreditam que o blues, de negros pobres e segregados nos EUA, ou o indie-rock branco, ou a velha MPB, representem uma ideia torta de "boa música".

Primeiro problema: a relação entre a cobertura da mídia e o gosto popular. Mais do que em outros lugares, "especialistas" brasileiros rejeitam quase tudo que tenha aceitação do grande público. A opinião raras vezes é baseada em critérios qualitativos, sendo baseada principalmente na visão de que, se a música é compreensível para o grande público, é popularesca e não pop. O mesmo critério não se aplica a artistas internacionais, obviamente. Outra mentira é a concepção de "ideologia indie": há quem acredite que o rock branquinho represente o que de mais inventivo pode existir, com uma vantagem: nem todos gostam, o que permite aquele ar de elitismo intelectual tão apreciado. Independente é quem assiste, compra, participa ativamente e dessa forma ajuda a criar um cenário sustentável. Não existe cena indie rock no Brasil, portanto. Os indies brasileiros não se movimentam (só de forma pontual, isolada). Ironicamente, quem se organizou e criou opções nos últimos anos para sobreviver foi...o rap. Dessa suposta ideologia se desdobra a imagem de "permanecer pequeno": isso explica de certa forma as críticas direcionadas ao rap que ambiciona exposição (algo como "se vender"). A verdade é que tal intolerância a algo badalado (ou "hypado", como eles preferem) não se aplica á MPB indie. Novamente, o preconceito: eles só são bons dentro da favela.

Minha modesta opinião: o rap vive grande momento no Brasil, não vive de nomes isolados. É o resultado da combinação da velocidade de divulgação proporcionada pela internet e acesso a novas tecnologias: o fato é que, ser independente no Brasil é muito difícil. Ser independente na quebrada, muito mais. Com um excesso de músicas rolando na web, muitos MCs e beatmakers perceberam que precisavam de algo mais para sobreviver: organização, profissionalismo, dedicação. Qualidade no trabalho em si e na forma de divulgar e distribuir. O que temos hoje é um cenário em que só os bons se destacam. Esse parâmetro elevado está forçando o surgimento de nomes cada vez mais preparados para o destaque, além de reforçar a própria cena independente em que estão inseridos. É uma situação vencedora, e isso incomoda quem cruzou os braços.

Em resumo, não há mal inerente quando um MC ganha páginas no caderno cultural, está na MTV e nas revistas semanais. É o desdobramento de uma música mais pungente e organizada mostrando seu melhor lado. O tempo dirá se Emicida e Criolo estão cavando espaço definitivo no mundo comercial, para si próprios e para o gênero no Brasil. Ou se nomes como Projota, Don L e Rincon Sapiência farão ainda mais sucesso. A única verdade, por enquanto, é que o rap faz aquilo que falta para parte significativa do nosso jornalismo cultural: trabalha duro.

Criolo - Subirusdoistiozin video

2011-08-25T22:34:00.000-03:00

Criolo acaba de lançar o clipe oficial do clássico single Subirusdoistiozin, presente no álbum Nó Na Orelha, checa aí:

Laura Marling - A Creature I Don't Know

2011-08-20T23:57:00.000-03:00

Em uma entrevista recente, Laura Marling demonstrava sua admiração por Neil Young: a maneira como pessoas que o viram tocando ao vivo dez, vinte anos atrás ou mais, e continuavam a comparecer aos shows do compositor canadense impressionou Laura. A transposição generacional e a carreira longa de Neil parece cada vez menos provável - mesmo relevando a genialidade - para um artista atual. Para a jovem inglesa, que acaba de finalizar o seu terceiro álbum, o futuro parece oferecer caminhos interessantes: sua opção em distanciar seu som de modismos e apostar apenas na sua capacidade de impor letras inteligentes dentro de um policromático folk ancestral acompanhado de uma urgência juvenil a afasta de nichos indie.

A Creature I Don't Know diz respeito muito mais aos momentos febris da vida adulta de Laura do que uma reinvenção de som: as sombras do inconsciente e as emoções cruas são temas pertinentes que Laura trata com versos contorcionistas, mas nunca pernósticos ou carregados de pompa. Ao contrário, a atmosfera densa é criada com passagens afiadas levadas pelas modulações vocais da compositora. A diferença fundamental para os dois primeiros discos é que aqui Laura deixa a inocência de Alas... e o peso I Speak...para encontrar um equilíbrio que deixa o resultado final mais relaxado. A maior variedade instrumental (guitarras ásperas em The Beast, a estrutura jazzística de The Muse com seu baixo e piano presentes, a pegada alt-country de Sophia) não interfere no balanço do trabalho: mais do que canções destacadas individualmente, há sempre um sentimento de sequência que fere a compreensão de uma geração acostumada com o shuffle do Ipod, mas faz sentido para quem cresceu consumindo álbuns como filmes ou livros. Mais um ponto a favor de Marling, uma garota que nasceu nos anos 90.

Seja explorando a melancolia pastoral de Nick Drake, a intrincada e quente interpretação de outra Laura, a Nyro (em particular os trabalhos do final dos anos 70 da compositora americana) ou o anti-folk da Diane Cluck, Marling nunca permite que a facilidade em juntar clichês ou referências atrapalhe o curso de suas composições: aos 21 anos e três álbuns, a inglesinha demonstra personalidade: A Creature...pode não ser o salto para o estrelato que muitos esperam, mas é prova de confiança em seu próprio ritmo e evolução.

" Eu não estou do lado do demônio / eu não sussuro para ele / eu fico nas montanhas / e chamo as pessoas para ouvir...eu te amei, eu desejo me tornar você / e saber o que você sente" - Night After Night 8,5 / 10

Girls - Father, Son, Holy Ghost

2011-08-17T16:47:00.000-03:00

Seu mundo pode ser aquele que apresenta crises econômicas, rachaduras sociais e cidades em chamas. A abstração disso na música pop atual pode virar um contraponto hedonista de bandas festeiras ou uma rara reflexão mais madura (e perigosamente próxima da arrogância). Mas também pode refletir um estado maior de sentimento de inadequação ou tristeza. No caso de Father..., segundo álbum dos californianos do Girls, o universo retratado é exatamente o da perdição romântica e a desesperança. Pode parecer pessoal demais, mas acaba tendo apelo maior, em um cenário universal em que sentimentos tão comuns são relevados. Em suma, o som de caras chapados cantando sobre garotas que se vão faz mais sentido do que afirmações unidimensionais sobre conflitos, bolsa de valores e violência. No meu mundo, pelo menos.

O que chama a atenção é que o disco soa mais pesado, com maior cenário, sem perder algumas características que fizeram a fama do primeiro álbum: letras confessionais e auto-piedosas, no limite entre a embriaguez e a beleza, passagens melódicas matadoras e a fragilidade vocal de Chris Owens. Honey Bunny engana de início com certa similaridade com as músicas de Album, mas a quebra melódica no meio cria uma espécie de marca, que acaba por definir muito do que virá pela frente: estruturas mais firmes, nuances antes inexistentes e mais peso instrumental. Die é praticamente um hard rock setentista, Chris encaixando um "We're all gonna die, we're all gonna die!": excelente. My Ma é uma balada country-rock-gospel recheada de guitarras encharcadas de efeitos; Vomit, o primeiro single, pode ser a Hellhole Ratrace do atual momento: servindo de peça central do trabalho, a canção cresce lentamente construindo um clímax que é puramente psicodelia: teclados e guitarras tecendo barulho. A parte final da música novamente chama um coro para emoldurar o apelo de "Come into my heart" de Owens; ecos de Pink Floyd e Spiritualized. Just A Song possui uma certa melancolia narcótica não muito distante de algo de Neil Young circa At The Beach mas termina com uma repetição insistente e arranjos delicados. A leve Magic traz um certo alívio com a típica simplicidade melódica e lírica da banda. Love Like A River é bela embora montada sobre trejeitos soul manjados.

Father, Son, Holy Ghost é uma extensão bem executada das bases apresentadas em Album, já apontando direções em que o Girls poderá seguir daqui pra frente. Uma trilha sonora devastadora para dias tensos. 8,5 / 10

Entrevista: Tiê

2011-08-14T22:44:00.001-03:00

Não faz tanto tempo que Tiê lançava Sweet Jardim, disco que inaugurava sua carreira autoral recheado de canções quietas e melancólicas, gravadas de uma forma bastante simples. No início de 2009, os primeiros shows começavam a atrair pessoas que se sentiam capturadas pelas músicas de apelo pop mas com um toque folk e de letras pessoais. Um grande passo pra quem tinha acabado de achar uma forma de traduzir sua criatividade: "Quando ouvi o disco pronto, confesso que deu uma mini insegurança. Estava bem simples e bem autobiográfico. Fiquei com medo de ser demais. Mas logo passou e foi só felicidade. Sempre todo mundo recebeu o Sweet muito bem."

Agosto de 2011. Quase dois anos e meio depois, com uma carreira ascendente, Tiê viu amigos como Tulipa Ruiz e Thiago Pethit ganharem espaço para além dos espaços independentes, além de outros artistas como Marcelo Jeneci estabelecerem um grau de atenção antigamente destinados apenas a grandes nomes. Um dos problemas de novos parâmetros dentro da música é a dificuldade em aceitar - ou enxergar - diferenças entre músicos contemporâneos. A tentação de reduzí-los a um só rótulo é muito grande. Para o ensolarado e bem sucedido segundo disco (A Coruja e o Coração- resenha aqui), lançado esse ano, Tiê escolheu dois hits de Pethit e Tulipa para gravar. Uma forma de mostrar a diferença entre eles? "Foi exatamente isso! Quis regravar músicas que eu realmente achava incríveis, além de mostrar meu apreço e admiração por esses dois artistas. Somos apenas amigos que estamos criando num mesmo momento. Musicalmente somos bem diferentes, mas a essência independente e o lado autoral é o que temos em comum.

A boa recepção de Sweet Jardim e o nascimento da filha Liz foram eventos que ocorreram após uma caminhada não diferente da maioria dos artistas : o esforço para encontrar uma voz criativa, os percalços da independência contrastando com a vida fora dos palcos e as contas para pagar. De alguma forma as coisas se tornaram positivas o suficiente para que A Coruja e o Coração ganhasse um tom mais colorido e sonoridade mais completa: " Já sabia que seria bem diferente de Sweet Jardim, porque a minha vida já estava completamente mudada. Mas foi um processo natural. As composições pediam mais instrumentos, mais recheio. Para incrementar essa ideia de trabalho menos solitário, parcerias surgiram, com gente como Pedro Granato e Karina Zeviani; teriam sido planejadas ou espontâneas?: "Espontâneas e muito bem vindas! Perto e Distante já tinha nascido quando pedi ajuda pro Pedro e ele deu outra vida e história pra ela, que antes se chamava Quem Garante. A Ka eu conheci bem na época da produção do disco, ficamos amigas e tudo fluiu muito bem!"

Com participação garantida no próximo Rock In Rio e várias datas pelo Brasil e no exterior - tem shows marcados nos EUA junto com Tulipa Ruiz agora em Agosto - Tiê se mostra otimista com o fato de que os shows se tornaram tão importantes para a sobrevivência do artista: " Não é o único, (meio de viver de música) mas por enquanto é o mais garantido, e também divertido! Amo o contato com o público, as diferenças de cada show, a energia dos lugares." Inevitável questioná-la sobre o futuro de sua geração, já que ainda não podemos afirmar com o devido distanciamento a importância e a extensão do sucesso deles. Em dez anos, como estarão? A compositora dona de um despojamento e polidez marcantes também mostra que é otimista e brinca: " Espero que feliz! E rica! (risos). Espero que cheia de energia e criatividade, ideias novas e otimismo!

Ainda que menos sombrio, A Coruja... não deixa de possuir canções baseadas em experiências pessoais. Será que veremos composições de Tiê baseadas em narrativas mais distanciadas? " Por enquanto não, mas talvez um dia consiga. A vida muda sempre tanto que não dá pra saber, né? Hoje eu gosto de compor assim porque percebi que funciono quando sou bem sincera. Mas talvez, num futuro, eu seja sincera também falando de assuntos menos pessoais." Essa capacidade de encarar com serenidade e delicadeza os desafios da carreira - e da vida, que serve de inspiração para seu trabalho - indica que podemos aguardar novos discos e apresentações entregues assim, com dedicação e amor. Vamos torcer para que se traduzam novamente em música de qualidade.

Jay-Z & Kanye West - Otis video

2011-08-12T02:42:00.000-03:00

Primeiro clipe do bom e recém-lançado álbum Watch The Throne:

Pélico - Que Isso Fique Entre Nós

2011-08-11T23:02:00.000-03:00

A capa do novo álbum do compositor Pélico é uma foto em que duas pessoas aparecem sem que seus rostos estejam aparentes: o próprio cantor, de costas para a câmera, encobre uma figura feminina, que se posiciona de frente para ele. É uma imagem que sugere um sentimento de proximidade física e distensão emocional, comumente conhecido como a melancolia que precede o fim inevitável de um relacionamento. Dessa premissa poderíamos imaginar um disco áspero e incômodo, mas Pélico encontrou maneiras diferentes de tratar o assunto, musical e liricamente.

As diferenças em relação ao seu bom disco de estreia (O Último Dia de Um Homem Sem Juízo, 2008) estão na construção das melodias e na entrega: se antes Pélico soava mais cru, direto e entoava letras mais distantes da comoção, agora as paredes melódicas erguidas são simples e frágeis, e as letras são desavergonhadamente sentimentais. Se as dezesseis músicas são resultado de um lento processo ou um forte e imediato fluxo criativo não importa: Que Isso Fique Entre Nós não possui espaço para pequenos erros, é uma obra de leve e insistente capacidade de surpreender, ao equilibrar arranjos inventivos e melodias de apelo pop inegável sem resvalar na mediocridade do verso simplório ou do exagero da auto-comiseração.

Tarefa difícil compor um album em tempos de iPods no shuffle o tempo todo: a coesão e até mesmo a consistência de dez, doze músicas reunidas é algo que parece cada vez mais improvável. Se me contassem que das dezesseis aqui demonstradas, nenhuma poderia ficar de fora, eu suspeitaria. Mas a audição desse disco que, embora forte no conjunto e simples na essência, oferece tantas facetas ao ouvinte, prova que é possível ser pungente trabalhando em terreno tão escorregadio: o pop bem azeitado, com pés no rock e letras derramadas são normalmente o refúgio de compositores mais bem intencionados do que propriamente talentosos.

Não Éramos Tão Assim possui refrão forte sem abandonar a boa direção onipresente: Pélico não guarda truques para engrandecer momentos, ele cria uma contínua corrente de pequenos retratos; Recado talvez se aproxime do que se poderia chamar de um Pélico 2.0, um upgrade do rock quase descontrolado do disco anterior, dessa vez emoldurado em coerente e forte melodia crescente; À Beira do Ridículo é adornada por belos arranjos e é uma bela peça de chamber pop; O Menino soa reconhecível mas é uma matadora canção encaixada já quase ao fim do album, mostrando o fôlego criativo de Pélico. Nesse ponto o ouvinte ocasional já parou diversas vezes para prestar atenção. E atenção terá o compositor, que não apenas cumpriu os bons indícios demonstrados anteriormente, mas na verdade surpreendeu com um dos melhores trabalhos do ano. 8,5/10

O disco pode ser baixado de graça por aqui.

Pelico Vamo Tenta by Pelico

Frances Bean Cobain, 18

2011-08-05T10:04:00.000-03:00

Enquanto Nevermind completa 20 anos de lançamento, a filha de Kurt e Courtney chega aos 18 (quase 19, na verdade). E o ensaio feito pelo francês Hedi Slimane mostra que Frances herdou os melhores traços dos pais. No site do fotógrafo/designer dá pra ver o ensaio completo.

Lindeza do dia: Barbara Eugênia - Por Aí vídeo

2011-08-05T01:18:00.000-03:00

Segundo vídeo extraído de Journal de BAD (número 5 na lista de melhores discos do blog), primeiro disco da cantora lançado em 2010. Depois de O Oposto do Osso, a canção escolhida foi Por Aí. Lindezas reunidas: a música, as imagens e a Bárbara. Enjoy!

Little Dragon - Ritual Union

2011-08-03T23:06:00.000-03:00

Em um mundo pop habitado de forma populosa por bandas de origem eletrônica com pés nos aspectos etéreo e cerebral - com resultados enormemente diversos em qualidade - mas contando com a condescendência da crítica, que acredita estar diante de algum tipo de sofisticação e inteligência musical acima do seu usual indie de guitarras, colocando quase tudo no mesmo patamar -, é raro ouvir algo que realmente permite alguma sensação residual. Aqui se enquadra o grupo sueco Little Dragon, que chega ao terceiro album com a mais consistente coleção de canções de sua carreira.

Trabalhando com beats secos e intervenções de teclados com economia, a banda reverte uma tendência de entusiasmo com novas tecnologias que leva produtores e músicos a perder o ponto ao utilizar ferramentas eletrônicas; a música do Little Dragon se baseia em estrutura pop sólida (músicas boas e variadas) e uma vocalista capaz de cativar o ouvinte. O adorno eletrônico é usado com inteligência. Simples e efetivo. A faixa título abre o disco reunindo elementos minimalistas; Shuffle A Dream, um synth-pop mais marcadão ainda assim não abusa dos efeitos e deixa Yukimi Nagano destilar sua habilidade de controle e entrega vocal. Precious é uma vagarosa peça misteriosa, uma canção que mostra o que uma boa química pode fazer por uma banda: o jogo entre as batidas e teclados funciona criando uma dimensão maior do que os esparsos elementos utilizados sugerem.

Ritual Union satisfaz plenamente o fã do electro-pop ao prestar especial atenção aos detalhes e deixar o exagero de lado, focando em composições sólidas. 7,5

Little Dragon 'Ritual Union' (Live on Fallon) from lentetijd on Vimeo.

Emicida - Doozicabraba e a Revolução Silenciosa EP

2011-08-03T15:56:00.000-03:00

O novo trabalho do rapper paulistano é de muitas formas um desdobramento natural de suas opções: com produção dos americanos K-Salaam e Beatnick, o EP é parte da evolução do Creators Project, da revista Vice e da Intel. Nesse momento, o projeto vai além das apresentações e permite aos artistas uma troca e uma possibilidade de registro (The Studio); Emicida participou do festival Coachella e na mesma viagem passou por Nova Iorque para dar andamento nas ideias e ter contato pessoal com os produtores. Dentro desse desdobramento, estão também as observações e a percepção de Emicida em relação ao próprio estágio da carreira: o que ele nos conta aqui é um retrato que vai além das afirmações e da auto confiança, demonstrando o contexto de sua caminhada, permitindo pequenas brechas em que a emoção é mais profunda e revelada com a mesma pegada que fez sua fama.

Um dos aspectos positivos da produção de K-Salaam e Beatnick é exatamente a possibilidade de criar uma coesão que se faz muito mais difícil em uma mixtape. Doozicabraba realiza com competência a transição das intenções embutidas na linguagem musical do MC: sem polidez exagerada, mas com beats e inserções equilibradas, as canções ganharam em organização e impacto. Mas o que faz do EP um registro brilhante ainda é a capacidade de Leandro Roque de transmitir um misto de construção lírica impecável nos versos sem tirar o pé na pegada e na emoção. Licença Aqui já mostra um Emicida ciente de sua posição no rap e no cenário pop nacional e as consequentes críticas decorrentes: a resposta é clara: "Tô na TV e tô na rua/numa vida igual a sua/diferença? eu trampo/eles olha/eu trampo/eles mosca". A percepção de valor alcançado pelo esforço e não apenas por benção divina ou herança se torna mais clara em Cacariacô, de bela melodia e lembrança de dias mais difíceis - realidade de milhões - em um momento de reflexão que faz ponte com a labuta como rapper. Viva é uma celebração contagiante, como um vestiário festivo após vitória complicada, mistura de orgulho e alívio. A contagiante Num é Só Ver traz um exemplo da produção competente, com pequenos detalhes que se encaixam sem estragar o flow; Zica, Vai Lá traz de volta o Emicida super confiante em canção pesada que equilibra sua visão de homem predestinado com um background de surras e tombos moldando sua obstinação. Ao mesmo tempo, reflete sobre colocar o rap no mapa de quem vive em guetos musicais elitistas. Complexa e coerente, é a demonstração de que Emicida realmente não mosca: continua disposto a evoluir. Pequenas Empresas continua em nível absurdo de expressividade, abrindo espaço para estabelecer que partindo do nada, "a meta é o mundo, ou mais."

Doozicabraba não é um trabalho definitivo, justamente por incluir segmentos e mostrar uma imagem em movimento: Emicida absorve, se adapta e recarrega suas baterias, direcionando seus versos de acordo com o momento. Mas exatamente por registrar tal capacidade, se torna um dos mais impressionantes discos do ano: musicalmente coeso e enxuto, com potencial de desnortear e surpreender com versos que passeiam por todo tipo de emoção acumulada. Se isso não te mover, você já morreu e esqueceram de te avisar. 9/10

Dá pra baixar de graça o disco no site do Creators Project; para adquirir o CD com faixa extra e tudo, acesse o site oficial do Emicida.

Emicida - Pequenas Empresas [Part. Dom Pixote e MV Bill] by eduardoyukio

God is back! Noel Gallagher - The Death Of You And Me video

2011-07-25T10:15:00.000-03:00

Single do disco The High Flying Birds, estreia solo de Noel Gallagher, The Death Of You And Me sai oficialmente dia 21 de agosto. O album sai dia 17 de outubro. O vídeo já está por aqui, e parece que o Beady Eye acaba de se tornar totalmente irrelevante mesmo...

Eleanor Friedberger - Last Summer

2011-07-22T21:04:00.000-03:00

Metade do cultuado Fiery Furnaces, Eleanor lança seu primeiro disco solo. A banda continuará viva, mas Last Summer pode ser um passo adiante com potencial para ofuscar futuros lançamentos do Fiery Furnaces. Com mais de dez anos de prolífica carreira, o grupo de Eleanor e seu irmão Matthew sempre explorou a maior quantidade de referências e experimentalismos dentro dos álbuns, com resultados que sempre intrigavam: é como se as canções do Fiery Furnaces explorassem pontos dissonantes e enterrassem um brilho melódico nunca totalmente exposto.

Eleanor trabalhou no disco praticamente sozinha, sem mostrar o processo para seu irmão e parceiro de composição. Um desafio a mais, que resultou em um disco que inverte o processo experimental: é um compêndio de brilhantismo pop, que esconde pequenos desafios dentro das canções. Dessa forma soa mais maduro e emocionante do que os oito discos lançados pela dupla de Chicago (vivem em Nova Iorque).

My Mistakes abre com excelência um disco que reserva ao ouvinte um bom número de surpresas e ganchos: como uma aventura new wave de aceno ao rock setentista também, a música encaixa arranjos tão fluidos que surpreendem (o sax se inclui ao invés de interromper histrionicamente a canção) . Inn Of The Seventh Ray é construída como uma canção glam mas passeia por novos territórios e despeja climas sobrepostos, com partes diferentes sendo inseridas com precisão; Heaven escancara a ambiência mais sessentista e soft, com pés na psicodelia e riqueza de instrumentação. Roosevelt Island começa com cheiro de disco music decadente com seu baixo de funk branco mas se desnuda no refrão com violões e sintetizadores cheios de vapor. One-Month Marathon mostra Eleanor languidamente cantando "queria que fosse novamente apenas você, eu e Liza...posso ver através de seu espelho?...não estarei vestindo absolutamente nada " enquanto o relato é levado por uma base acústica que é acompanhada por batida marcada e slide guitars. Owl's Head Park te leva para a metrópole ao som de arranjos delicados, entre o orquestral contido e Eleanor cantando livremente como uma Patti Smith jovem.

Last Summer é dos mais intrigantes discos do ano, um daqueles que explora aspectos musicais e sensoriais a cada canção sem perder de vista um controle coesivo; Eleanor possui um repertório sólido, de canções bem construídas, mas adiciona diversos pedaços de beleza melódica com mais do que meros enfeites, mas verdadeiros regalos inseridos ao longo do álbum. Invertendo a lógica de sua banda (experimentalismo com aceno pop), Eleanor se mostra uma compositora de rara habilidade ao combinar pop objetivo e direto com instrumentação e arranjos de um subjetivismo riquíssimo. 8,5/10

Ordinária Hit - Funcionário

2011-07-20T18:25:00.000-03:00

O aspecto político na música brasileira sempre vagou pela poesia que floreia mas não escancara, ou em relatos sociais que embutem comentários políticos. O medo de ser incorreto demais ou a vergonha de soar panfletário e infantil talvez expliquem a falta - ou escassez - de críticas ou posições deliberadamente abertas quanto á política. O Ordinária Hit lançou um EP chamado 3, em referência ao aumento do preço da passagem de ônibus em São Paulo. Esse álbum, Funcionário, foi lançado no dia do trabalhador. Não espere a groselha rock brasil 80 nem nas letras nem no som desses caras, no entanto.

Com frases curtas como intervenções, e uma sonoridade repleta de tensão, sujeira e riffs lancinantes, que operam entre o pós- punk e a no wave, Funcionário é um retrato musical da relação de trabalho e perda de humanidade. A ambientação relembra a confusão e a inconsistência dos padrões impostos, os vocais soam como ordens gerenciais; basicamente, é um dia no escritório, no que restou de não-robótico no chão de fábrica ou no carroceiro que é açoitado pelo sol e por motoristas apressados.

São onze faixas trabalhadas de forma extremamente coesa: a banda investe no equilíbrio entre o violino (sim), a guitarra, o baixo e batera, os vocais; algo de sinistro e incômodo percorre as canções, o que permite que se enxergue a grande qualidade do disco: transportando a dureza e a resistência como faces indissociáveis do labor atual, o Ordinária Hit criou a trilha sonora adequada para o endurecimento das almas. 7/10

A música de hoje e o jornalismo "com delay"

2011-07-15T22:37:00.000-03:00

Jornalista brasileiro respondendo questão proposta pela Pitchfork

Inicialmente esse post seria sobre os melhores discos do ano até agora, aquela coisa que os blogs e revistas fazem pra chamar a atenção e gerar acessos. Mas eu desisti. Primeiro porque deu preguiça, mas o motivo verdadeiro reside não na falta de entusiasmo com a produção musical disponibilizada nos últimos seis meses; consigo citar pelo menos cinco discos, entre nacionais e gringos, que me fazem sorrir só de lembrar que eles existem. Praticamente clássicos instantâneos. Citá-los seria trair a premissa inicial (ou retomar a idéia primordial, já não me lembro). Fato: existe boa música e motivos pra curtir. Mas então porque, quando lemos o conteúdo entregue por aqueles que filtram e analisam a arte (os "especialistas", críticos, escribas, qualquer coisa) bate aquela sensação de desgosto? Vou tentar descobrir, dentro da minha mente, enquanto escrevo esse texto.

Primeiro: digamos que há concordância em relação ao estilhaçamento do pop atual: uma geração inteira teve acesso a uma enorme quantidade de música, e eles estão criando coisas que se posicionam entre décadas diferentes. Aparentemente, uma coisa boa: sem barreiras e preconceitos, poderíamos ouvir novos talentos com grandes coleções de discos em um único HD. Mas reside aí o primeiro fator de preocupação: vejamos, antes tínhamos que realizar as mais bizarras aventuras para descobrir sons feras, porque o acesso era limitado. Havia um processo de depuração, digamos, que levava o nosso cérebro para um crescente estado de curiosidade e inserção de novas informações. Agora a coisa é toda despejada de uma só vez: o moleque vai lá e vasculha a produção de hip-hop da costa oeste nos anos 90 de manhã, jazz latino dos anos 60 á tarde e o college rock noventista de noite. De madrugada, pega o laptop e a guitarra e começa a criar.

Acho que basicamente estamos falando de talento e esforço. Gente que possui enorme conhecimento musical pode ser incapaz de entregar uma nota sequer com inteligência, mas o contrário também é verdadeiro. Então não mudou nada em relação ao passado pré-internet? Mudou, sim: tribos musicais resistem pouco, e a música produzida atualmente chacoalha entre revivalismos diversos e tentativas de vanguardismo, mas até aí é consequência e reação. Contexto, amigos, é algo que cabe aos tais jornalistas. Está claro que esses caras estão confusos e atordoados, mas fingem ter o controle de todos os movimentos em curso.

Uma passagem rápida por blogs e jornais gringos permite a visualização de uma constante, insistente eulogia ao sub-gênero que chamam de chillwave. Não me importo com o que isso quer dizer, mas sou informado que o Twin Shadow e o Toro Y Moi praticam isso aí. Washed Out, Memory Tapes e outros nomes também aparecem. Embora enxergue diferenças de qualidade entre eles, acho que eles praticam o synth-pop. Só isso, sem reducionismos ou revoluções.

Outra vertente que ganhou atenção "branca" recentemente é o rap. Em primeiro lugar, o gênero sempre influenciou e vendeu muitos discos lá fora, mas para boa parcela de blogueiros e especialistas, há um novo estilo, que para eles parece mais rico e menos incompreensível. É como querer ter respeito de rua botando uma corrente em volta do pescoço. Ou fingir que o estilo, como qualquer outro do pop, não é sujeiro á desdobramentos naturais. Tratar como algo novíssimo uma banda como o Odd Future é desconhecer o passado. Não seria nenhum crime (a ignorância), não fosse esse eximível através do exercício puro e simples da pesquisa. Olha a preguiça aí de novo, dessa vez não a minha.

Também temos o rock, sempre precedido pelo termo "indie": esse nunca foi tão reverente aos anos 90. Quem nasceu na época é mais fascinado pela década do que quem já era grandinho. Um pouco previsível, essa coisa cíclica e tudo o mais. Quando não empunhando guitarras temos os admiradores do folk pastoral e da tradição do compositor torturado, ou gente que viaja nos caminhos da psicodelia mais antiga e garageira.

Pulverizado. A eletrônica e suas possibilidades. Revivalismos. Cruzamento de idéias. Conexões globais. Tudo muito recente, e cujo resultado verdadeiro só seremos capazes de definir, como um todo, daqui a algum tempo. Algo ignorado pelos sabichões, que não admitem a confluência e rejeitam o exercício da dúvida.

Aqui no Brasil a coisa fica pior. Primeiro porque os mesmos fenômenos estão ocorrendo: molecada ouve um montão de coisa, sai fazendo som, crítico fica confuso. Daí acha que o rap agora é factível, mas continua "fechado" com os gênios deprimentes da MPB; redefine a palavra "indie" como sinônimo de "gosto sofisticado"; mantém relação incestuosa com músicos (tudo bróder), gravadoras (ainda?) e adentram nesse mundo do empresariado do entretenimento. A bíblia desse povo continua sendo alguma coisa gringa, mas até aí, bem, eu comprava uma porrada de revista e coletava informação delas. Mas uma coisa é tomar como referência de informação, outra é enfiar tudo pra dentro (ui) sem pensar duas vezes. Mas hoje, francamente, pesquisar se tornou bem menos difícil.

Se você ainda está aí, já percebeu que esse texto é um anacronismo total: pretende analisar com mais cuidado a forma como a crítica se coloca diante do pop atual, dá o diagnóstico, é longo demais para o padrão internético e começou com a mesma preguiça que não move o jornalismo musical. Com esperança, termina de forma diferente.

Nana Rizinni - I Said

2011-07-09T20:07:00.001-03:00

Naná Rizzini já havia lançado um EP chamado Bacon Eggs que chamou a atenção pela diversidade e apelo pop das canções. Pegada rocker e boas batidas eram os ingredientes daquele material. Baterista de formação, Naná desenvolveu canções mais robustas para seu álbum de estréia, I Said. Com o auxílio do produtor Plínio Profeta e de gente como Tiê, Pedro Granato e Karina Buhr, I Said possui dez canções bem resolvidas e estilisticamente diversas.

I Don't Care abre o disco mesclando vocais processados e guitarras sujas, com batidas marcadas: um pop dançante e áspero, com cara de hit. A sequência de Vertigem (rock quente de toques psicodélicos) e a balada Triste (climática, dark) começam a mostrar ao ouvinte que Naná maneja com habilidade aspectos musicais diferentes. Better Than Nothing volta ao pop, dessa vez com toques ensolarados. Homenagem, composição em parceria com Tiê, é uma música sinuosa e cheia de fumaça, intoxicante. Estúpida ganhou um clipe caprichado e também capricha nos arranjos. Stop Spending volta ás batidas dançantes e divertidas; Nice Figure, Dangerous Heart é um rock de sotaque indie nas guitarras e gruda como chiclete. As duas últimas canções não poderiam ser mais diferentes: a minimalista Busy In The City é seguida do funk de guitarras processadas de Ciranda do Incentivo (composição de Karina Buhr).

Temos aqui uma coleção de músicas que se insinuam em diferentes vertentes, mas possuem uma amarração que vai além da produção acertada: Naná não atira para todos os lados por falta de personalidade; I Said soa bastante consistente e talvez apenas reflita a personalidade musical da compositora: despojada, de veia rocker mas com dois pés no pop. 8/10

Baixe o disco no site oficial da Naná.

Pitanga, o terceiro disco de Mallu Magalhães

2011-07-09T00:14:00.000-03:00

imagem extraída do site oficial

Desde o início de maio em estúdio, Mallu Magalhães prepara seu terceiro album. Publicando em seu blog um diário desde o primeiro dia de gravações, a cantora-compositora permite mais do que uma aproximação com seus fãs ou a promoção do disco em si. Poucos músicos se sentem confortáveis ao revelar o trabalho em progresso com detalhes. Preferem revelar tal processo após a realização e lançamento do disco, trabalhando mais com memórias selecionadas e emoções depuradas.

Mallu descreve o dia a dia do estúdio com a mesma entrega delicada, solta que demonstra em entrevistas, muitas vezes confundida com uma postura blasé ou arrogante. Na verdade, os registros diários revelam tanto as qualidades quanto as fragilidades; é difícil distinguir quando Mallu se concentra em aspectos mais técnicos da gravação e quando revela dúvidas na resolução de alguma canção: aqui, há o aspecto de demonstração de capacidade criativa para encontrar soluções, mas também a humildade em reconhecer as limitações e intervenções de outros músicos.

Passagens de situações prosaicas podem parecer dispensáveis, mas um olhar mais apurado pode permitir a compreensão de que diversos momentos podem estar delineando o que será ouvido em Pitanga (esse é o nome do disco): não apenas a alegria de encontrar o timbre certo, mas os pequenos acenos á passeios, shows ou até mesmo visitas de amigos e familiares ao ambiente; ou comentários tão paulistanos como reclamar do tempo seco, da poluição e do frio inverno. O diário é um mosaico de cenas ordinárias, mas talvez seja esse o ponto que distingua Mallu no cenário pop brasileiro: a capacidade de tornar simples as descobertas, a incansável busca pelo acerto, meio preciosista, meio instintiva, e o entusiasmo apaixonado pela música.

Produzido por Marcelo Camelo e com participação de integrantes do Hurtmold - Maurício Takara esteve presente no estúdio - Pitanga pode ser a afirmação definitiva de Mallu. Ainda muito jovem, a compositora continua a aproximar suas influências e imprimir um estilo mais definido, o que pode ser confirmado em apresentações recentes. Independente do resultado final, é de valor considerável que alguém se proponha a registrar de forma tão direta a construção de um trabalho.

Mallu liberou um pequeno vídeo-teaser do álbum nessa quinta-feira,7:

Iceage - New Brigade

2011-07-03T17:07:00.000-03:00

Aparentemente qualquer coisa que venha do mundo nórdico é capaz de impressionar mentes estadunidenses, desde sagas fantasiosas da Idade Média até prostíbulos repletos de loiras malucas. Um trio adolescente como o dinamarquês Iceage também. New Brigade encapsula 12 canções punk com visões distorcidas e certo descontrole (isso é bom), mas possui algumas limitações na construção e, verdadeiramente, soa datado. Uma dose de excitação de blogs e alguns shows pela América farão com que o nome deles ecoe por algum tempo.

A grande vantagem do Iceage é que eles não perdem tempo com ambições do tipo "ópera-punk- pós- wikileaks" e só parecem mesmo guris meio desajeitados e sem articulação. Qualquer relação com a tensão entre imigrantes islâmicos e dinamarqueses e o contexto da situação econômica frágil da União Européia é resumida em riffs abrasivos e versos curtos como palavras jogadas, sem aproximação abertamente política. New Brigade se aproxima muitas vezes da poeira suja do pós-punk, vasculhando a prateleira dos dois lados do Atlântico.

Um caso de badalação exagerada, portanto, mas a coisa toda acaba em menos de meia hora, e traz alguma curiosidade sobre o som produzido na terra da Katja K. 7/10

Banda UÓ - Me Emoldurei De Presente Pra Te Ter EP

2011-07-02T16:07:00.000-03:00

Esses phynos são de Goiânia, e é provável que você já tenha ouvido alguns de seus hits via Youtube, já que eles contam com mais de 100 mil exibições e contando. Esse é o primeiro registro digital do trio, incluindo os sucessos Shake de Amor e Não Quero Saber, em versões renovadas. Amantes dos hinos populares brasileiros, aqueles verdadeiros rompedores de barreiras normalmente rotulados de brega, e com um ouvido colado no pop contemporâneo, fazem uma mistura fresca de brasileirismo marginal com versões de sucessos pop gringos.

Não é surpresa que tal approach resulte em algo como O Gosto Amargo Do Perfume, que transforma o indie careta/fast food do Two Door Cinema Club em uma pancada tropical que, desculpem, funciona melhor que o original (Something Good Can Work). Katy Perry, Willow Smith, Rihanna e Foreigner - na verdade, a versão de Edson & Hudson - ganham bombadas recriações tecnobrega, ou electrobrega. Eles preferem eletrobrega, na verdade.

Há um aspecto da música pop atual que aposta na diversão e no hedonismo sem barreiras estilísticas definidas, e que por vezes se apresenta como um antídoto para gêneros fechados em definições como "indie rock" ou "dubstep". Quando não funciona, soa como gente branca fingindo conhecer ritmos caribenhos controlados por Macs: ou seja, a imagem do horror, como publicitários regurgitando em suas camisas justas. Ou riquinhos americanos se aproximando da África depois de ouvir uma compilação da Luaka Bop. Infelizmente, lamento informar aos amiguinhos empolgados, na maioria das vezes não funciona.

Felizmente, a Banda UÓ é só divertida e inconsequente. Por enquanto, já é mais do que suficiente. 8/10

Baixe o EP de graça aqui:

Top Surprise, Emicida, Copacabana Club: Rodada de vídeos

2011-06-30T21:51:00.000-03:00

A semana foi recheada de novos vídeos de bandas brasileiras: de Juiz de Fora, São Paulo e Curitiba, com sons que vão do rap afiado ao rock tropical ao noise. Enjoy!

TOP SURPRISE - HOME (Juiz de Fora, MG)

COPACABANA CLUB - BACKYARD (Curitiba, PR)

EMICIDA - ENTÃO TOMA (São Paulo, SP)

The D.O.T : O novo projeto de Mike Skinner?

2011-06-29T01:03:00.000-03:00

Bom, o Mike Skinner encerrou atividades com o ótimo Computer And Blues e The Streets já era. Evidente que a mente que bolou uma série de discos incríveis e recentemente encontrou maneiras mais criativas de divulgar seu trabalho não ficaria muito tempo sem trabalhar. Embora a conta oficial do twitter e o site oficial estejam inoperantes até esta data, Mike já havia sinalizado que trabalharia em um filme, escrito por ele mesmo.

O fato é que a conta do cara no Youtube iniciou esse mês postando vídeos de músicas com o nome de The D.O.T.; até agora, são três músicas e um pequeno vídeo. As músicas são cantadas por Rob Harvey, que colaborou intensamente em Computer And Blues. Porém, o estilo das letras possui semelhança com o estilo de Mike Skinner, ao contrário do teor neo-hippie da defunta banda de Rob, a The Music. São músicas que claramente carregam a assinatura de produção de Skinner, nos beats e variações inventivas. Uma conta no Soundcloud promete atualizações todas as quintas.

O mais intrigante dos vídeos foi o último, postado no dia 20: Rob canta uma balada acústica, mas Mike aparece falando sobre "esperar, esperar...eu nunca vou me livrar desse lugar", enquanto diversas cenas envolvendo outros personagens ocorrem em um pub. Um possível fio condutor do filme? Uma série para a internet? Um possível album temático? Tudo escrito por Skinner? Não sabemos oficialmente, e essa é a maneira encontrada pelo cara pra nos manter entretidos. Dá uma checada nos vídeos, abaixo:

Ghostpoet - Peanut Butter Blues and Melancholy Jam

2011-06-25T22:40:00.000-03:00

Ghostpoet, ou Obaro Ejimiwe, produtor e MC londrino chega ao seu primeiro album laureado por alguns elogios e atenção da cena local. Sua capacidade de balancear um certo tipo de música lenta e arrastada e canções mais aceleradas passa pelo sua habilidade como MC e cantor (e admirador de Gil-Scott Heron) . O desenrolar do disco como algo mais cinza e cheio de fumaça para pequenos acenos a uma espécie de clímax é mais um ponto correto para o compositor. A atmosfera é certamente mais sombria, mas a recorrente comparação com Tricky é negativa, já que não há resquícios de viagens auto-indulgentes e resultados irregulares do outrora prolífico MC de Bristol. Aqui é papo reto, dez músicas, enxutas e bem realizadas.

Run Run Run é um início quase narcótico nas rimas bêbadas e refrão cantado de forma largada; Us Against Whatever Ever domina o minimalismo garage e bota tensão na roda; Finished I Ain't leva um instrumental de banda que não colide com a faixa anterior, prova do controle de Ghostpoet, ele sabe o que está fazendo o tempo todo. É exatamente essa consciência que lhe permite encaixar I Just Don't Know, mais veloz e urgente, na sequência de quatro faixas que, mesmo possuindo nuances interessantes, mantém um andamento devagar. A segunda metade do disco é o momento em que Ghostpoet começa a sair do correto para o brilhante: Survive It, que possui um refrão feminino, é levada em um loop de synth e bate forte com melancolia e beleza.Talvez aqui o rapper encontre a melhor narrativa do disco. Gaaasp é sujona e pesada: ele vai contando ao longo do album pequenas cenas e afirmações de "vida dura", mas não constrói letras como crônicas, apostando mais em versos soltos que funcionam; ao contrário da perspicácia veloz de Mike Skinner (The Streets) ou a a maníaca metralhadora de Dizee Rascal e Kano, Ghostpoet se posiciona como um low-profile que vai além das inflexões dub de Roots Manuva. Liines encerra a boa estreia do inglês com guitarras e uma amostra de como fugir dos clichês grime/garage. 8/10

Ogi - Crônicas da Cidade Cinza

2011-06-23T14:28:00.000-03:00

Ogi esquentava esse disco há algum tempo, criando altas expectativas. É o primeiro solo do compositor, membro do Contra Fluxo, grupo que firmou posição no cenário entregando um rap old school que aproximou um público outsider, ou de fora das periferias, para seu som. E a capacidade de Ogi para ser o cronista proposto pelo título do album é tamanha que a promessa é realizada de forma brilhante.

Ogi desenha cenários ricos em detalhes, construindo climas e tensões, alternando humores e encarnando personagens diferentes. O acompanhamento de beats precisos só realça a facilidade com que pequenas cenas são transformadas em relatos completos. O que é bastante pertinente é que Ogi utiliza poucos minutos pra subir toda a estória; sua concisão e sagacidade lhe permitem basear as canções em rápidos petardos desorientadores, o que te faz querer ouvir de novo para entender o processo: é viciante, e talvez o fato de as rimas acompanharem uma voz que sai do monocórdico e também representa um papel importante seja fundamental para o equilíbrio do disco.

Cidade com nome de santo encosta no samba para apresentar o grande pano de fundo daquilo que está para ser contado: a megalólope cinza e assustadora. Profissão perigo é narrado por um motoboy "filho do stress paulistano" e uma das mais impressionantes músicas do ano: possui aquilo de mais pungente no hip-hop: agilidade, flow, pegada e apelo popular. Por que, meu Deus?, cujo clipe já passou por aqui, aposta na narrativa dupla com final confluente. Besta Fera (com participação de DonCesão, Dr Caligari e Mascote), Minha sorte mudou e Tamo aí no rolê (com Rodrigo Brandão) possuem paralelo com o estilo de "estilhaçamento rítmico que acompanha a estória" de rappers gringos pouco reconhecidos no Brasil como Mike Skinner, do The Streets. Premonição, a primeira amostra desse trabalho a ganhar vídeo, mantem o impacto inicial do refrão e estrutura melódica fortes. Noite fria mostra um rolê que termina de forma terrível nas mãos de integrantes de carros dotados de giroflex.

As personagens desse disco, Sueli, garçons, Zé Medalha, gambés, pixadores, motoboy, seguranças, trabalhadores, minazinha do Iphone e tantos outros são parte de um enorme cenário. Ogi não realiza uma direção desse filme diário e mutante com mão de ferro, ele deixa os fatos determinarem os limites e não deixa espaço para auto indulgência ou eulogias. E é essa a grande qualidade de Crônicas da Cidade Cinza: é um retrato humano ordinário, com resultados musicais extraordinários. 9/10

A capa lindona do disco é d'Osgêmeos. Em São Paulo, você encontra o album nas galerias e pra quem mora fora da cidade é só entrar em contato: contato.ogi@gmail.com. Ouça Profissão Perigo:

Ogi - Profissão Perigo by eduardoyukio

O disco novo da Laura Marling

2011-06-21T19:00:00.000-03:00

E a compositora inglesa anunciou oficialmente que seu terceiro disco será lançado no dia 12 de setembro. Vai se chamar A Creature i Dont Know, e foi produzido novamente por Ethan Johns. A princípio, o sucessor de I Speak Because I Can seria lançado no final de 2010, mas Laura mudou de idéia. Ela já afirmou que será diferente do ultimo album, já que reescreveu a maioria das canções que tinha preparado (cuja sonoridade era parecida com as de I Speak...). Abaixo o vídeo-teaser gravado durante a breve passagem de Laura pela América do Sul: imagens de Avellaneda, na grande Buenos Aires:

Gang Gang Dance - Eye Contact

2011-06-19T22:05:00.000-03:00

Ninguém precisa dizer que experiências sônicas que misturam texturas orgânicas com eletrônicas são tendência e centenas de bandas assumem sua identidade através de Macs e sintetizadores enquanto manipulam beats. Está implícito em praticamente todo lançamento bombado a sair dos clubes pelas redondezas da Nova Iorque cool. O problema é que o excesso - de bandas, idéias mal realizadas e atenção - resulta em música que não se eleva a condição alguma. Mas existem exceções, e o Gang Gang Dance resiste bravamente aos desafios de novos discos ao trabalhar espontaneamente na liberdade de criação. Eye Contact é um petardo controlado com precisão ao conduzir um ataque completo de samples, sintetizadores, guitarras e a já vencedora ferramenta vocal de Lizzy Bougatsos, uma mutante sensorial integrada aos lampejos excêntricos da banda.

Glass Jar inicia a jornada com uma construção lenta e desorientadora, onde o fio condutor é pouco reconhecível, apenas pedaços de violência rítmica elevadas; Adult Goth pode a princípio soar mais próxima de uma peça pop eletrônica mais ortodoxa, exceto pelo fato de na realidade soar como um lamento criado em abrigos anti-aéreos, caos e tristeza. Chinese High preenche espaços com inserções tão precisas e inventivas que o vocal "étnico" de Lizzy parece apenas uma característica comum, mas a canção toda é uma pancada cerebral e bonita. Reparem que definir o que rola em Eye Contact é um desafio porque há aparentemente coisas não lineares ou incomuns, o que é verdade. Mas a audição é fluida como todo disco pop deve ser. Mindkilla empresta os beats e distorções do garage e cria uma fórmula de elementos tropicais e psicodélicos.

Capazes de criar consistência em um formato quase abandonado (o album) , sem perder a mão de potencializar canções individualmente, e ainda apostar em experiências sem alienar o ouvinte, o Gang Gang Dance é um dos mais bem sucedidos grupos atuais na criação de sons contemporâneos. Ótimo. 9/10

Babe, Terror - Preparing a Voice to Meet the People Coming

2011-06-12T15:08:00.000-03:00

O segundo disco do paulistano Claudio AKA Babe,Terror e criador inspirado por pequenas cenas do bairro de Perdizes (não só), continua a traçar caminhos para além do que se espera de um bedroom producer da música eletrônica. Não apenas por soar mais orgânico e minimalista do que, digamos, Four Tet ou Gold Panda, mas exatamente por exigir do ouvinte uma atenção maior.

Quando a instrução "ouça com headphones" é tão explícita, isso talvez te leve a pensar que o tom experimental desse trabalho possa alienar o curioso eventual. Mas na verdade, as texturas e sobreposições, distorções e silêncios dentro das canções formam um bem construído painel, sem o risco da dispersão sônica que se apresenta comumente nesse tipo de música.

O Babe, Terror traz pra mesa um banquete de sensações: o estado de consciência do semi-acordado, o inconciente onírico ou simplesmente momentos que alteram entre a beleza e a esquisitice, das intrincadas buscas pela melodia á repetição insistente. Isso explica a dedicação exclusiva da audição: menos uma exigência ou condição e mais uma recomendação de consumo do produto. Para melhor efeito, o disco deve ser ouvido com cuidado; isso não é o seu usual chillout, chillwave ou até mesmo a supostamente assustadora witch house. É apenas um experimento de sonoridades desnorteantes, e é mais do que recompensador por isso. 7,5/10

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://babeterror.bandcamp.com/album/preparing-a-voice-to-meet-the-people-coming"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;PREPARING A VOICE TO MEET THE PEOPLE COMING by babe, terror&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;

Bonifrate - Um Futuro Inteiro

2011-06-06T21:54:00.000-03:00

O Bonifrate desfruta de um respeito bacana no cenário independente brasileiro; talvez seja pelo fato de ele ser integrante do Supercordas, uma das bandas mais consistentes do Brasil em termos de qualidade. Mas os discos solo do cara também são um caso á parte. Não são exercícios preguiçosos de entressafra. Um Futuro Inteiro, o novo disco, é mais uma incursão ao folk lisérgico que se abraça ao pop de teclados antigos, ao country rock e tudo que soa pertinente numa manhã fria. Ou em um entardecer. Ou em qualquer circunstância que envolva climas aconchegantes.

Esse Trem Não Improvisa é exatamente um compêndio do folk rock de guitarras vaporosas e riffs ganchudos, a acústica forrando a melodia irresistível; A farsa do futuro enquanto Agora é esmerilhada em tecladões, arranjos bem colocados e, ouso dizer, Syd Barret meets The Band. Bom desse jeito. Vertigem de uma festa interestelar capricha nos slides e é intoxicante como um Buffalo Springfield perdido na floresta, reverberando pelas frestas dos galhos e folhas. Há espaço para baladas como O vôo da Margarida, que cresce de forma orgânica com seus teclados e guitarras colocados de forma cirúrgica na melodia. Cantiga da fumaça é mais do que o Neil Young em seus momentos mais reflexivos dos anos 70, uma emulação desvantajosa, é Bonifrate mostrando seu apreço por influências diversas e entregando em forma de versos e instrumental redondos.

Um Futuro Inteiro é dos mais inspirados e coerentes discos lançados no Brasil em 2011.Repetidas audições permitem novos olhares e as músicas só ganham qualidade, seja pela composição firme ou pelos truques deixados dentro das canções. O termo "belo" nunca soou tão verdadeiro. 8/10

Dá pra baixar o disco de graça no Bandcamp.

Um Futuro Inteiro by Bonifrate

Sábado no Drive-In com Kat Dennings

2011-06-05T00:56:00.000-03:00

A Kat Dennings não apenas estrela um dos bons filmes de 2011 - Daydream Nation, já falado aqui no blog (previsão de lançamento no Brasil;??) , como possui um bom gosto musical. Antes que algum indie tente destruir a reputação da garota com a termo "musa indie", saiba que ela prefere rock clássico (Bowie), Soul (Stevie Wonder), Bonnie Taylor (sim , Total eclipse Of The Heart) e hard-rock fafora genial do Darkness ou escolhe canções diferentes como a linda Yard Of Blonde Girls, do Jeff Buckley. Essa playlist dela é meio velhinha, ela falou a respeito quando aquele filme Nick e Nora- Uma noite de amor e música, que ela filmou com o Michael Cera foi lançado. A playlist interia está aqui. E eu se fosse você corria atrás desse Daydream Nation, o filme.

Ela adora essa aqui, ó:

Comet Gain - The Howl Of The Lonely Crowd

2011-06-04T23:21:00.000-03:00

Esses caras são veteranos da cena inglesa e tem uma trajetória tão quebrada que a gente perderia muitos parágrafos só pra contar as mudanças na formação de 92 até hoje. O fato é que eles continuam na ativa, praticando um pop fincado nas raízes britânicas e com um indelével acento garageiro. Não por acaso, o pessoal do Cribs curte bastante. Tanto que Ryan Jarman, guitarrista do trio se juntou a Edwyn Collins - olha aí o encontro de gerações - para produzirem juntos esse novo disco.

Clang of the concrete é o cartão de visitas pra quem não sabe o que esperar do Comet Gain: levada melódica, trabalho de guitarras costurando a estrutura de teclados. A letra conta com a captação do movimento reverberado pela Europa, o da crise econômica. É velho e novo ao mesmo tempo, contando a tristeza do desemprego, da melancolia, da mediocridade e do ódio. Muito relevante. The Weekend Dreams segue com um desapego lírico contrário ao ataque instrumental, que não desvia das guitarras retalhadoras e harmonias vocais bonitas. Nunca chega a ser muito bonito, o que é bom. E assim continua, com o nível lá no alto, e apesar das fórmulas não mudarem, há o suficiente pra te manter entretido. É uma dessas bandas que garantem o respeito pelo encaixe, quando há o risco de ficar repetitivo eles mudam alguma chave e fazem tudo ficar legal de novo. Provável que fique arquivado naquela prateleira de bandas bacanas ignoradas, mas fazer o que? 7/10

Os caras tocando na Espanha, durante o Primavera Festival:

Vídeos,

2011-05-29T10:07:00.000-03:00

The Vaccines - All in White

James Blake - Lindisfarne

Pulp: O primeiro show do Comeback

2011-05-27T01:28:00.000-03:00

Rolou em Toulouse, na França, na última quarta (25), o primeiro show do Pulp depois da reunião. Já agendados para tocar em diversos festivais europeus, a preocupação de Jarvis Cocker de "não assassinar as próprias canções" pareceu infundada. O vídeo abaixo mostra a rendição da clássica Do You Remember The First Time?, e nem parece que os caras estavam parados há tanto tempo. Será que Jarvis e cia. não fariam uma viagem á terras distantes no segundo semestre? Aguardemos...

SETLIST DO SHOW: fonte: http://www.setlist.fm/setlist/pulp/2011/le-bikini-ramonville-saint-agne-france-7bd3cab8.html

Nuda - Amarénenhuma

2011-05-22T01:43:00.000-03:00

Já havíamos ficado boquiabertos com o teaser que o quarteto de Recife havia liberado meses atrás. O que levou a uma ansiedade e transformou Amarénehuma em um dos discos nacionais mais aguardados do ano. E finalmente saiu. Devo dizer que não há espaço pra decepções aqui.

A Maré Nenhuma reforça a condição de mais bela canção do ano até agora, toda embebida em lirismo e condução instrumental tão delicada quanto os vocais. A aparente tranquilidade espiritual da música é apenas a ponta do universo rico da Nuda. Samba de Paleta já apresenta algumas reações ásperas, e a diversidade rítmica do grupo vai se mostrando a cada timbre. O ouvinte vai notar que é levado quase que sem solavancos por gêneros diversos, embalados pelo approach rock.A Pedra é Captain Beefheart nascido em terras pernambucanas, e o interlúdio é tão atraente quanto as demais músicas. Fazendo ponte logo para Maruimstad: outra pérola de fúria sob controle e elasticidade. A noção de espaço desses caras é absurda. Ode aos ratos, versão da composição de Chico Buarque e Edu Lobo ganha a carinha Nuda (sim, eles já possuem esse tipo de personalidade) de abrasividade. Em nome do homem é um tango rock freak que traz alusões ao cenário urbano do Recife e uma constatação do ser humano sendo destituído de alma. Pisa traz uma precisão quase matemática mas na real soa apenas bem brasileira, ponte pra Acorde Universal que traduz a máquina precisa e de nuances de beleza da Nuda. Ainda temos o samba chorado de Eu e/ou você Doutor e o encerramento com a reflexiva Prece da ponta da faca, quase uma concorrente em nível emocional/melódico da música de abertura do disco.

Praticamente irrepreensível, das composições aos trabalhos técnicos (produção, mixagem, masterização), que ajudaram muito á compreensão do arsenal de idéias e truques da banda, Amarénenhuma é sério candidato ao posto de disco do ano. Por enquanto, é possível dizer que, mesmo que talvez sem querer, a Nuda tenha estabelecido um padrão para a produção independente nacional: não é de fórmulas, receitas ou virais que grupos precisam para abrirem caminho: basta ter talento e trabalhar direito. É o caminho mais árduo, mas a inspiração está aqui gravada.Basta seguí-la. 9/10

Baixe o disco no site oficial dos caras.

Nuda - Em nome do homem by eduardoyukio

Mona - Mona

2011-05-21T21:57:00.000-03:00

Residentes de Nashville, o quarteto Mona se posiciona como uma aposta muito bem vinda ao cenário. Em primeiro lugar, não há resquício daquele sentimento de abraçaremos-todas-as- vertentes-porque somos superinformados. Excesso de informação musical ás vezes atrapalha. E em tempos de indie global, a quantidade de bandas ruins munidas de sequenciadores é assustadoramente alta. Mona, o disco, é potencialmente um dos melhores discos de rock do ano. Eu disse rock, não indie-rock.

Basicamente, os caras acreditam naquela coisa toda de banda como unidade, catarse, suor, melodia e sentimento. Anos 50. Como no início da história de música jovem branca de raiz negra. Com um pé no hard rock setentista, Springsteen e no punk, soam um pouco como o Social Distortion circa 92. Só que mais jovens. Ou um Rocket From The Crypt menos fanfarrão ou mesmo o ótimo Lit. Mas como de boa intenção não se faz um bom disco, o quarteto tratou de moldar canções que se distinguem muito bem umas das outras (raro hoje em dia) e entregá-las de acordo. Um vocalista "heróico" e boas tramas de guitarra sustentam de forma coerente o teor das letras.

Gente perdida, garotas impossíveis e noites insones permeiam o universo rock "de verdade" do Mona. E como isso é bom, não ouvir ladainhas alegres e festivas com tamborezinhos e guitarrinhas de brinquedo. Cloak And Dagger tem a confiança e a arrogância do Manic Street Preachers em Generation Terrorists, aquela inocência e fúria conjuntas; Listen To Your Love é certamente um dos melhores pedaços de rock arrepiante que ouvirá nesse ano: o ataque/condução funcionando como um relógio. E a ponte com o verso "How did it get this way?" é um grande momento. Shooting The Moon é a versão sem vergonha (no bom sentido) de um hard rock legítimo. A balada Pavement em mãos erradas soaria apenas ordinária, mas o Mona transforma em hino.

O nome da banda é uma homenagem a avó de um dos integrantes, que se chamava Mona Brown. Mas vai ser interessante o fluxo de visitantes nos mecanismos de busca com essa palavra chave. Mais essa pra curtir a banda de vez. 8/10

Battles - Ice Cream video

2011-05-16T12:12:00.000-03:00

Primeiro videoclip extraído de Gloss Drop, ótimo novo disco do Battles. A tropical Ice Cream, com Matias Aguayo:

O brilho de Zá

2011-05-09T22:40:00.000-03:00

Fui pego no contrapé da desinformação quando percebi que não conhecia o som de Jade Coelho, ou simplesmente Zá. Na realidade, palavras aqui e ali a recomendavam. E a garota não decepciona. Dona de voz agradável, suas canções passeiam pelo rock (a base de seu som) mas são informadas por apelo pop inegável. Há acenos para o soul e climas jazzy. Mas o mais bacana é que Zá não soa pretensiosa: há uma confiança nas letras bem montadas e no jeito quase sinuoso de cantar. Ela tem hits prontos como É Tão Bom Quando Não Há Chance De a Noite Ser Ruim; cria um clima ensolarado em Esse Som, com seus tecladinhos intermitentes; é misteriosa e intensa na quieta/barulhenta Da Diplomacia; deliciosamente pop em Não há Trabalho Mais Importante Que Nós Dois. Nenhuma referência óbvia percorre as canções, apenas uma demonstração de personalidade e criatividade. Tipo a equivalência musical de uma dose extra e instantânea de serotonina.

Ouça aqui: http://www.oinovosom.com.br/za ou aqui: http://www.myspace.com/zacoelho

La très belle Laura-Mary Carter no Brasil...

2011-05-09T22:17:00.000-03:00

...e Steve Ansell também. A dupla de Brighton Blood Red Shoes estará no Cultura Inglesa Festival, e o domingo (29/05) no Parque da Independência promete. Pode ser o melhor pequeno-grande show do ano no Brasil, então fica esperto. É de graça, e depois deles tocam Miles Kane e Gang Of Four:

PJ Harvey - Let England Shake ou Seamus Murphy e a Inglaterra selvagem

2011-05-08T23:34:00.000-03:00

Let England Shake, oitavo disco de PJ Harvey, é possivelmente a obra mais impactante do ano até agora. Usando a guerra do Afeganistão e reflexões sobre a Inglaterra como temas primários, a compositora vasculha assuntos que já são costumeiros em suas composições: morte, esperança, dramas internos e confusão mental. A diferença é que, ao optar por basear essas narrativas em relatos de guerra -recentes e antigas - e relacionar a música como forma de expressão do momento histórico, PJ utilizou modulações de voz diferentes, instrumentações não usuais e uma produção bastante calculista. Mesmo assim, o disco soa visceral, e fica difícil distinguir as dores da compositora ou a visão dela como expectadora de um mundo bastante cruel. A inglesa do interior jura não colocar experiências pessoais em suas canções, trabalhando mais como intérprete de relatos e observações.

Evitando a possível pretensão de reunir temas patrióticos com imagens de guerra, PJ optou por manter a crueza das letras, enquanto trabalhava melodias plácidas, fluidas, como contraponto aos versos quase sempre dolorosos. 9/10

* Trabalho com Seamus Murphy

Depois de conhecer o trabalho do fotógrafo Seamus Murphy em uma exposição, PJ o convidou para dirigir os vídeos de todas as doze canções de Let England Shake. Seamus não possuía nenhuma experiência com vídeos ou música. Documentando áreas de conflito, o fotógrafo foi escolhido para realizar um complemento visual ao impressionante registro musical. Os vídeos estão disponíveis na internet, e são retratos bastante intuitivos, envolvendo declamações de versos das canções, imagens da cantora e de sua banda em performance e imagens de uma Inglaterra bucólica, misteriosa e antiquada/moderna. Um acompanhamento que se funde de forma mágica e acaba por complementar o trabalho dos dois artistas de forma surpreendente. Os vídeos estão em http://www.youtube.com/user/letenglandshake. O site de Seamus é http://seamusmurphy.com/ . Abaixo, escolhemos dois belos exemplos:

Art Brut - Brilliant! Tragic!

2011-05-08T18:27:00.000-03:00

A melhor banda britânica daquele meio de década passada (pelo menos entre as que respiravam aquele ar universitário-artístico) chega agora ao quarto disco. Que o Eddie Argos é uma lenda apenas por ter lançado a clássica Emily Kane*, todos sabem. O que poucos esperavam é que o Art Brut chegaria mais inteiro em 2011 do que Bloc Party e Franz Ferdinand. Claro que o fato de estarem tocando melhor agora ajuda, e Brilliant! Tragic! também é o disco mais equilibrado da discografia: nenhum clássico incluído, mas as músicas estão mais fortes naquela pegada dinâmica de guitarras bem inseridas. E o Argos continua sendo aquele letrista esperto, um Jarvis Cocker menos refinado mas ainda capaz de segurar a atenção do ouvinte.

Basicamente todas as músicas são sobre dissabores sexuais e encontros frustrados. Mas ao invés de pagar uma de branquelo anglo-saxão sexy, Eddie sabe diferenciar - e rir ironicamente - do padrão indie de pegação. Lost Weekend , o primeiro single, mostra um pouco desse Art Brut mais equilibrado: ao invés da velha construção lírica terminando em um refrão mínimo e pegajoso, a canção inteira flui mais levemente. Esperto, mais difícil de enjoar assim. Também tem uns solos heróicos de guitarra.

E tem essa outra música, chamada exatamente Sexy. É uma lição, na realidade. Destrói tudo que o Alex Kapranos acredita carregar, e ao mesmo tempo paga um tributo mais digno ao Edwyn Collins. Tipo um encontro dos momentos mais soturnos/pervertidos do Pulp com a insistência dos riffs do Orange Juice. Sealand chega a ser bonita daquela maneira inglesa de cenário melancólico, céu cinzento e mar agitado. A produção do Frank Black deixa alguns vestígios, na forma como as guitarras entram sorrateiramente entre as linhas de baixo, mas equilibra a tendência natural do Art Brut para a apelação mais tosca. Arestas aparadas, mas pontas ainda afiadas. 8/10

* Emily Kane é o terceiro single da carreira do Art Brut. Foi lançado em 2005 e está no album Bang Band Rock & Roll. Na opinião do blog, é um dos melhores singles desde sempre. Eddie canta sobre a garota do título, a Emily, sua namoradinha de colégio, e como ele não consegue esquecê-la. Então ele escreve essa música, detalhando coisas como "todas as garotas se parecem com voce...quando eu bebo" e que espera que a "canção lhe dê fama: eu quero a garotada cantando seu nome nos ônibus escolares". Soa melhor em inglês, e o timing melódico é perfeito.

Art Brut - Emily Kane por Joukos

DeDeus MC - Destino video

2011-05-05T16:52:00.000-03:00

A jovem MC paulistana DeDeus lança seu primeiro videoclipe: Destino é uma mensagem de auto-afirmação e abre caminho para uma carreira que promete. Vamos aguardar o que a garota vai apresentar - a idéia é de um disco para o ano que vem. Na corrente de nomes do hip-hop que começam a se tornar visíveis para o grande público, é bom ficar de olho também na moçada que vai dando seus primeiros passos:

http://www.myspace.com/dedeusoficial

Miles Kane - Colour of the Trap

2011-05-05T00:35:00.000-03:00

Interessante notar que gêneros que habitavam as cavernas da apreciação cult agora cresceram de forma descontrolada: as pessoas já acham o Bibio interessante, dão gritinhos pra bandas chillwave, babam pela dark wave/witch house, acham o selo Warp muito legal, a cúmbia, o afrobeat (muitos acreditam ser um "novo som")... Realmente, ser indie hoje em dia dá trabalho, consiste em pulverizar bandas de um dia pro outro, xingar no twitter, cagar regras e AINDA montar aquele set pra festa - enquanto secretamente chora ouvindo Coldplay.

O lance é que o Miles Kane já tocou no Rascals e no Last Shadow Puppets, com seu chapa Alex Turner. O moleque sai agora em carreira solo, carregando uma coisa velha chamada guitarra. Sentimos no ar a desaprovação dos semi-retardados antes mesmo do disco sair. Eu resolvi ouvir, já que esse blog não promove festas, ou finge sortear ingressos para seus leitores. Apenas serve para análises a respeito de discos.

A coisa começa com Come Closer, que parece distanciar claramente o que ouviremos aqui do seu típico indie rock britânico da década passada. Nada a ver com ataquezinhos anêmicos de punk ou pós-punk. É um rock pegador com um refrão gigante, The Who em seu auge mais alguma coisa garageira de verdade. E o Miles toca guitarra como um monstrinho. Rearrange segue com uma produção mais dançante pra um petardo pop, psicodélico ( o riff de Miles é matador demais). My Fantasy é um devaneio folksy e romântico - a construção melódica não é menos que impressionante - claro que voce já ouviu coisas assim antes, mas e daí? A gente chama isso de música atemporal. Como o Salem soará daqui a dez anos? Counting Down The Days é The Jam com uma perna no Kinks fase psicodélica mas soa perfeita pra 2011. Better Left Invisible chama pra briga: o equivalente sonoro de uma noite violenta no pub, baixo na testa e ganchos guitarrísticos. Quicksand é mais um exemplo de criação: apelando para os pá-pá-pás sessentistas mas incluindo pequenos truques e uma onipresente sessão de solos cósmicos. Isso é só a metade do disco. Te deixa pilhadão mais que a discografia inteira do Animal Collective.

A segunda metade também é uma maravilha, abrindo com a animalesca Inhaler - o primeiro single, lançado em 2010. E o "yeah yeah yeah" de Miles é tão brilhante quanto o de Liam Gallagher em 94. Nessa época, Miles tinha 8 anos. Kingcrawler, bastante percussiva e levada pela voz de Miles é instigante. Take The Night From Me é baladona, mas pende mais pro ar heróico/ decadente de um Richard Hawley do que pra trilha de seriado americano. Telepathy insere uns traquejos de surf-thrash para desenhar a canção noir. Happenstance é um dueto com uma modelo francesa(Clemence Poesy), só pra mostrar que o guri, que já andou pegando Agyness Deyn, é fodão. A canção título encerra belamente a estreia: irmão espiritual de Alex Turner, a música soa como algo que Turner compôs para a trilha do filme Submarine: frágil, simples e bonita.

Sabe qual a conclusão? Miles Kane talvez tenha lançado o melhor disco de rock britânico dos últimos dez anos. Eu estou dizendo que, bem, isso aqui é o que o Oasis fazia nos anos 90. Mastigar profundas referências clássicas e cuspí-las em forma de canções universais, sem frescuras. E o Miles é o compositor talentoso que eleva o padrão, de pastiche para excelência. Pra melhorar, ele toca guitarra melhor que o Noel, mas canta com a absurda confiança e arrogância do jovem Liam. Evidentemente o disco será execrado por aqueles que professam seu amor ao onanismo (Pitchfork e associados brasileiros). Isso é um disco de rock neanderthal. E é isso que o faz ser tão essencial, porque neguinho já tinha apostado que o TuNe YarDs ou sei lá o que era a salvação da lavoura. Apenas não chame isso de indie, seria um erro e uma ofensa grave. 9/10

Miles tocará dia 29 de Maio no Parque da Independência (SP) dentro do Cultura Inglesa Festival. De graça. Também estarão lá a dupla barulhenta Blood Red Shoes e os heróis pós-punk do Gang Of Four. Voce, que foi no show do Vampire Weekend, não é público alvo. As emoções podem ser fortes demais pro seu coraçãozinho cínico.

Braids - Native Speaker

2011-05-01T22:38:00.000-03:00

Native Speaker é o primeiro disco dos canadenses do Braids, lançado bem no início do ano. Desafiando rótulos mais fáceis, a banda se apresenta como uma alternativa bastante sólida no cenário indie: ondas revivalistas, especialmente baseadas no shoegaze e/ou no rock dos anos 90 de um lado; bandas de som mais dançante que agregam elementos eletrônicos/ percussões e são "alegres" de outro. Um cenário bastante simplificado, admito, mas quase totalmente verdadeiro. Se são tentativas bem sucedidas ou não, depende da capacidade criativa das bandas. Pois então, o Braids não se encaixa: um objetivo claro desses caras: melodias sinuosas que levem á intoxicação; elementos utilizados: variados. Abusando dos efeitos em quase todos os instrumentos, as músicas são resultado de um quase infinito baú de idéias, colocadas em prática com surpreendente habilidade. Alguém pode dizer que é pop onírico, sim, mas certamente não é o usual dream pop como gênero: há mistérios demais, silêncios, construções inusitadas...

O single Lemonade é possivelmente uma das canções mais brilhantes do ano: crescendo de forma inconsciente, crava suas qualidades em seus ouvidos como Spanish Sahara, do Foals, fez no ano passado: uma música fora do padrão mas com uma quase mágica capacidade de cativar lentamente. Pode soar no início como um pós rock sombrio caminhando para o math rock e desaguando em vocais entre o vaporoso/sensual do shoegaze mas também podia ser o Yeasayer menos cabeçudo. Incrível, em uma palavra. Vale citar que a vocalista e guitarrista Raphaelle Standell-Preston é extremamente intuitiva na entrega e fundamental na equação do grupo.

Native Speaker, a música, é como Bjork em seus melhores momentos, mas não só: pode ser um exemplo de desapego da banda á estruturas convencionais, espiritualmente aproximando o Braids de qualquer nome do pop inclassificável, de Pere Ubu á The Knife. Experimentadores e aventureiros. Aqui, há a busca pelas sombras, nuances e beleza. Lammicken é uma dose pesada de um mantra narcótico: "I can't stop it" canta languidamente Raphaelle, e podemos sentir que a eletrônica moderna pode ser efetiva como parte do processo de composição, não apenas como enfeite. Same Mum encontra riffs enviezados e uma ainda mais intuitiva entrega vocal de Raphaelle, como uma tentativa de desafiar o ouvinte para depois recompensá-lo com um gancho melódico matador. Não é, definitivamente, algo que poderia sair da sua usual banda de indie rock.

No mundo da música, alguns acham que fugir de seu habitat natural é incômodo e andar em círculos é mais satisfatório e conveniente. Outros preferem se jogar em aventuras sônicas e pagar pra ver, com resultados variados. Da mesma forma, quem ouve música pode se apegar a um universo particular ou aceitar um convite mais desafiador. O Braids entrega o que não se espera, desafia o ouvinte e, no caminho, proporciona momentos bastante bonitos. 8,5/10

Gang Of Four - Content

2011-04-26T23:22:00.000-03:00

Com a nova organização do modelo de consumo de música, bandas velhas estão retornando em busca de uns trocados e enterrando qualquer senso de dignidade ao tocar seu repertório antigo para fãs saudosistas. Mais difícil - e arriscado - é se manter criando músicas novas. O Gang Of Four nunca realmente terminou, mas sua trajetória foi cheia de interrupções. Com um disco de estreia clássico (Entertainment!, 1979) e uma carreira mais prolífica até o meio dos anos oitenta, os anos seguintes viram o grupo perder dois membros originais e apenas dois álbuns de inéditas na década de noventa.

No começo desse ano, Andy Gill e Jon King, os dois remanescentes da formação original retomaram a carreira de verdade. Não apenas excursionando (como vinham fazendo durante a segunda metade dos anos 00), mas gravando um album de inéditas. Bastante apropriado para o momento, já que o pós-punk que fez a fama deles, um do tipo funkeado, afiado e abrasivo serviu de grande influência para sujeitos do cenário recente: das experiências dançantes de bandas como Rapture, !!! e LCD Sounsystem (selo DFA em geral) ao pop britânico do Franz Ferdinand e Bloc Party . Sem falar em bandas clássicas como Fugazi e Nirvana. Ou seja, eles tinham de entregar alguma coisa decente, senão seria uma decepção.

Content não apenas retoma o som clássico do início de carreira, mas também parte da inspiração e força. A pegada instrumental está presente nos riffs de guitarra ora fluidos e dançantes, ora ameaçadores e pesados, enquanto a cozinha trabalha no interplay funkeado. As letras mantém o cinismo e a acidez de outrora, embora eles tenham amadurecido suas mentes tanto quanto o mundo político atual se aproxima das polaridades dos anos setenta. Se o disco sofre em algum momento pela falta de variações, cresce com alguns sons mais redondos como I Can't Forget Your Lonely Face, You'll Never Pay For The Farm e Second Life, todos exemplares da coisa abrasiva/funkeada/quadrada típica da banda.

Assim como o Killing Joke, que lançou um sólido disco no ano passado, o Gang Of Four pode se orgulhar de suas novas canções: elas se integrarão perfeitamente num setlist que contenha Damaged Goods, Natural's Not In It, e At Home He's a Tourist. 7/10

O Gang Of Four faz apresentação gratuita em São Paulo no dia 29 de Maio dentro do Cultura Inglesa Festival, junto com Blood Red Shoes e Miles Kane. Os shows serão no Parque da Independência.

Jennifer Lo-Fi - Troffea video

2011-04-25T22:49:00.000-03:00

O blog adora a banda Jennifer Lo-Fi, tanto que já falamos deles aqui e aqui. E é com prazer que apresentamos o videoclipe de Troffea, uma das boas músicas do EP Noia:

Criolo - Nó na Orelha

2011-04-23T17:40:00.000-03:00

Categorizar e rotular: tarefas que já foram relativamente simples, óbvias até, em muitos momentos da música popular. E não podemos fugir daquilo que, convenhamos, já pertenceu a muitos universos particulares: a sensação de pertencimento, que até os anos 90 eram bastante relacionados ao seu gosto musical. As tribos musicais raramente se misturavam.

No Brasil, uma terra em que o termo pop até hoje é completamente desconexo da realidade - a MPB se "estabeleceu" como gênero amorfo e acomodado em seu status quo; e o resto, é o resto. Qualquer expressão mais genuinamente popular ganha contorno e carimbo de sub- produto, ou tema de reportagem pretensamente sociológica, geralmente em contornos dramáticos: "Adolescentes usam drogas e ouvem funk", "Garota de classe média sobe o morro com o namorado traficante"," Confusão em show": tudo culpa do rap, do funk, do samba marginal...

O cenário real é que a informação que abastece as periferias é a mesma que é consumida nos condomínios-clube fechados ; exceto que, por motivos óbvios, ela é filtrada de forma diferente. Talvez até pela necessidade de manter um nível de excelência para sobreviver, trabalhos realizados por rappers paulistanos, por exemplo, carregam mais referências que a média: só quem ouve com atenção sabe que um cara como o Mano Brown é repleto de bons sons em sua discoteca pessoal. A proliferação mais veloz e instantânea de sons e idéias atualmente só aumenta a probabilidade de gerar bandas que são diametralmente opostas no estilo, embora convivam em um mesmo contexto geográfico. E desafiam aqueles que acreditam ter o poder de controlar e estabelecer regras para o consumo cultural.

Nó na Orelha é o segundo disco de Kleber Gomes, o Criolo, antes Criolo Doido. A trajetória desse rapaz na cena hip-hop é longa e antiga. Mas esse disco é como seu cartão de visitas para o mundão. Capaz de criar letras e transformar pequenas cenas em rimas como se fosse uma máquina industrial, Criolo percebeu que poderia registrar suas crônicas de forma mais adequada ao seu furor criativo. Aqui vale o conceito desenvolvido pelos parágrafos acima: com a ajuda de Marcelo Cabral e Daniel Ganjaman - produtores do album -, Criolo, o MC, o, rapper, entrega um dos mais completos discos da música pop brasileira nos últimos tempos. Completo pelo estilhaçamento de ritmos e pela forma como tudo se amarra; completo nas letras que vão de imagens poéticas á ataques críticos, de relatos contundentes ao bom humor; e principalmente porque é um poderoso disco de hip-hop, na essência. Isso é música popular com sangue nas veias.

Bogotá abre o trabalho como uma bomba soul-funk-afrobeat: é dançável e forte, quase tropical. Mas é afiada, aguda. Menos celebração hedonista e mais "fio na navalha/brincar no precipício". O single Subirusdoistiozin possui aquela qualidade instrumental típica do coletivo Instituto, um mosaico de teclados bem encaixados duelando com a verve Criolística que narra mais um pedaço de realidade. O soul rasgado de Não Existe Amor em SP mostra que instintivamente Criolo canta melhor ainda quando é sutil: o que pode soar como uma visão estreita da crueza da metrópole é mais um apelo emocionado de um morador da cidade. Mariô segue para provar que o cidadão Kleber aqui não é pequeno poeta universitário: mandando a real, não alivia pra ninguém: "Quem se julga a nata/cuidado pra não cuaiá" ..."fia: eu odeio explicar gíria". Freguês da Meia Noite é um lamento, bolerão desavergonhado, sobre frio na alma, no ar e no Largo do Arouche. O "outro lado"do single Subirusdoistiozin, Grajauex, é uma porrada, que de forma quase delirante utiliza o bairro de criação do Criolo para inserir um grande mundo de emoções. Samba Sambei, vejam só, é como a chegada de um soundsystem jamaicano. Sucrilhos, sucesso já nas apresentações, cita Rappin Hood, favela e Oiticica pra avisar que "cientista social e Casas Bahia"... "pode colar/ mas sem arrastar/se arrastar a favela vai cobrar". Lion Man é uma aventura cósmica narrada de forma tão pulverizada que desnorteia o ouvinte, como golpes ninjas. Encerrando o disco, a canção que dá título se inicia como uma moda de viola que se transforma em samba e conta com a "participação" da Turma da Monica na poética nada pueril.

Assim, Criolo resume em dez músicas uma vida dedicada á música independente, ao hip-hop, á rinha dos MC's. E também uma homenagem á cidade de São Paulo - que é capaz de inspirar e destruir - e a seus pais. Boas intenções não resultam necessariamente em discos elogiáveis. Mas Nó na Orelha acaba sendo o retrato mais bem acabado de uma música que pode ser atual, pungente e acessível; difícil de aprisionar em rótulos anacrônicos, mas feito com suor. Afinal, "cantar rap nunca foi pra homem fraco". Nó na orelha, soco no estômago e afago na alma e no coração. Salve Criolo. 9/10

Criolo está no projeto Noisey, da revista Vice, sobre nova música mundial. Confira aqui.

Não Existe Amor em SP by criolo_oficial

U.D.R. - Racha de Chevettes

2011-04-21T23:50:00.000-03:00

Racha de Chevettes é evidentemente o melhor nome pra disco desde sempre. Daria um bom nome pra banda também (fica a dica). É um registro ao vivo demencial dos mineiros da U.D.R. no Kool Metal Festival de 2005. Você, que é um cidadão "do bem", nunca ouviu falar dessa banda. Basicamente os caras são funkeiros de satã: é funk carioca com death metal, rap e outras coisas "feias". Como eles possuem uma porrada de EPs e nenhum album de verdade, Racha de Chevettes acaba sendo uma espécie de registro definitivo do trabalho da banda.

São onze faixas em que todo tipo de ofensa moral é cantada belamente através de bases funk e bateção de cabeça: estupro de deficientes ("aleijados"), idosos, crianças, travestis, padres, Jesus e Satanás; consumo intenso de crack, mutilação, necrofilia, violência psicótica, amor, depressão, etc.

Todos que utilizam motes como "sou do bem", deveriam protestar no twitter, e exigir que autoridades eleitas em nome da moral, dos bons costumes e da família brasileira façam algo a respeito; a veiculação de músicas como as aqui despejadas é um tapa na cara da sociedade. É muito errado, num mundo errado. 10/10

Racha de Chevettes (Live @ Kool Metal Fest, 6/6/05) by udrnoseucu

Infelizmente, uma música importante não está no disco, ouve aí embaixo:

U.D.R. - Queria Que As Bichas Indies Parassem de Gostar da Gente by udrnoseucu

The Streets - OMG video

2011-04-21T18:17:00.000-03:00

Computer And Blues, inacreditável disco final do projeto The Streets, comandado pelo talentoso Mike Skinner já foi devidamente elogiado aqui. Esse é o novo vídeo, da música OMG. The Streets chegando ao final (Skinner já deu pistas de como deve seguir fazendo canções poderosas com o disco Cyberspace and Reds) é uma notícia mais lamentável do que o encerramento de certas bandas cool-hipster-novaiorquinas comandadas por sujeitos "gente boa". Mais sobre Skinner pós The Streets nos próximos posts:

Social Distortion - Hard Times and Nursery Rhymes

2011-04-19T23:39:00.000-03:00

O Social D não é exatamente uma banda que lança discos com regularidade. De 1983, estreia com Mommy's Little Monster até esse Hard Times... eles somam sete discos de estúdio. Sete albuns em 28 anos. E o contingente de fãs parece congregar gerações que se acostumaram com o anacronismo latente de sua música. Se em 83 eles eram parte da cena californiana do punk, os problemas de Mike Ness só permitiram um retorno em 1988. Nesse período, a melhor sequência ocorreu com Prison Bound, Social Distortion e Somewhere Between Heaven And Hell (entre 88 e 92). O som da banda já estabelecia uma agressividade punk com melodias mais próximas ao rock dos anos cinquenta, e os Rolling Stones setentistas. Nada a ver com a cena grunge que se formava e expandia. White Light, White Heat, White Trash (1996) fechava os anos 90 para o Social Distortion com uma pegada mais forte e confissões de "sobrevivência" de Mike Ness. Um mundo de perdedores e fodidos numa cena pop que ainda tinha o gosto bubblegum do Green Day e do Offspring no mesmo estado de origem. De novo, outsiders.

Sex, Love And Rock'n'Roll marcou o retorno da banda em 2004. Mais um confessionário de vida rocker levado por uma banda afiada. Boa coleção de músicas, embora a coesão não estivesse presente: pegada hardcore melódica e baladas mais lentas.

2011: quem se importa com um novo disco do Social Distortion? Ness comanda um grupo como único membro original; suas cicatrizes emocionais já foram exploradas em diversas canções; o risco de soarem como moribundos reciclando clichês e destruindo a reputação de Orange County punks; a estilhaçada e não-direcionável cena pop nos traz sons que fazem Hard Times... soar como...

O grande insight aqui é que para ser relevante basta ter boas canções. É bastante simples. Do dubstep ao witch-house, do indie-me-engana ao folk fofinho, do funk á cumbia, ninguém se impõe por PERTENCER. Os garotos e garotas descartam músicas de seu Ipod como se o produto ali tivesse que se impor ao momento: uma banda velha como o Social Distortion possui uma qualidade que permite a sua longevidade digna: entrega e qualidade, um veterano de guerra carismático e grandes músicas.

Integantes saíram, morreram (Brent Liles, Dennis Danell) e o disco soa como um atestado de força e insistência. Mais coeso, equilibrando-se entre fúria punk e ataques de rock clássico - no sentido raízes blues-bar-quebradeira - Hard Times... é possivelmente um dos mais fortes lançamentos de rock em 2011. Não é modern rock, indie, alternative, afro-pop. Só rock. Alguns torcerão o nariz, afinal de The Creeps (83) para Can't Take With You (2011) há menos trivialidade punk e mais elementos conservadores. Mas a estética musical não confere confiabilidade: isso aqui é definitivamente algo que te faz mais feliz e te impulsiona para a batalha diária da mesma forma. Destacar músicas não se faz necessário porque há aquele já citado equilíbrio entre as faixas. Mas Still Alive resume a jornada: Ness canta:" os tempos mudaram, mas ainda estou vivo, lutando as mesmas batalhas, estarei aqui até o amargo fim". 8/10

Battles - Gloss Drop

2011-04-18T18:21:00.000-03:00

Math-rock não é um gênero tão bem definido assim; e não vamos aqui aprofundar a discussão porque Gloss Drop, segundo disco dos americanos do Battles, é simplesmente um ataque sônico divertido: mudanças de tempo, angularidades e precisão rítmica estão presentes. Quem não está é o multi-instrumentista Tyondai Braxton, que deixou o grupo. E aqueles que acreditavam na dissolução do Battles, devem agora se perguntar se Tyondai não amarrava demais o horizonte criativo dos caras.

Com espaço sobrando na estrutura, o Battles convidou alguns sujeitos para participar do disco: o chileno Matias Aguayo, Yamantaka Eyes (líder do japonês Boredoms), Kazu Makino (Blonde Redhead) e o guru do synthpop Gary Numan. Mais do acrescentar algumas cores a mais no formato musical, os convidados ajudaram a redefinir o "novo" Battles: um grupo que não perde a consistência de sua personalidade, mas se diverte ao buscar novos elementos.

Dominican Fade, um pequeno número instrumental no meio do album, soa como se robôs tentassem tocar instrumentos reais, programados para algo tropical, mas acabassem de alguma forma se descontrolando. Aliás, para uma banda tão "cinza", o climão de verão surge com muita frequência durante Gloss Drop: Ice Cream (doh!), com os vocais de Aguayo, é basicamente o sonho de composição de trocentas bandas que desejam se aproximar de ritmos "exóticos"e soar cool. O Battles ensina: trabalhando com ferramentas usuais, instintivamente mesclam algum remelexo no seu padrão não ortodoxo: o riff de guitarra que assinaria a carta de intenções é todo estranho e processado. Eles sabem que não poderiam tocar uma cumbia e sair andando por aí impunemente. Menos estética, mais inserção. Futura é mais fluida que qualquer coisa de Mirrored (disco de estreia), embora retenha a fórmula antiga. Inchworm é um exercício prático de rock experimentalista bate-cabeça. Wall Street é o som de uma banda arranhando as paredes de seu ambiente e avançando lentamente para algo mais acessível, sem diluir uma gota de sua santíssima bíblia de rock matemático. Gary Numan dá voz ao incansável objetivo da banda de transformar instrumentação convencional em um simulacro de música eletrônica. Humanos tocando como se fossem inumanos, essa inefável tarefa. Mas a busca é digna em My Machines.

Gloss Drop, portanto, é um passo adiante na sonoridade do Battles, um daqueles que não podem ser desfeitos. Agora é só olhar pra frente. Tchau, Tyondai Braxton. 8/10

Ice Cream (Featuring Matias Aguayo) by BATTLES

Some Community - Young And Fresh video

2011-04-16T01:31:00.000-03:00

De volta ao Brasil após datas pela América do Norte, o Some Community lança seu primeiro clipe oficial, extraído do excelente EP RinoRino. A música escolhida foi Young And Fresh. Confira:

Burial - Street Halo

2011-04-15T04:32:00.000-03:00

A volta do Burial após o clássico disco Untrue (2007) veio em forma de single: Street Halo é a música, acompanhada por mais duas canções novas de um dos mais criativos manipuladores da eletronica moderna. Formando a base do 2-step e da música soturna e cheia de graves, o retorno de Burial deve ser celebrado como uma conjunção adequada de fatores que estão levando o tipo de som que ele ajudou a criar para um público maior: James Blake, Jamie Woon e Katy B, que já foram tema de post por aqui, lançaram seus debuts recentemente, criando um atalho para a inserção do underground eletrônico no pop moderno.

Street Halo continua a saga de Burial em busca de uma química inovadora e brutal: é o som de uma festa rolando em algum galpão abandonado, perto de uma linha de trem, sendo ouvida através de paredes ou sub-aquaticamente: há tantas distorções e barulhos e incômodos, sons mais próximos de uma vida urbana caótica e imprevisível, organizadas de forma harmônica e que te fazem sentir a tensão e a ansiedade tanto quanto te levam hipnoticamente para um confortável chá em dia chuvoso. Uma música elástica e abrangente, que se movimenta de forma imprevisível. Belo prenúncio do que esse cara ainda pode produzir.

No Joy - Ghost Blonde

2011-04-14T01:21:00.000-03:00

O disco de estréia desse pessoal de Montreal saiu no final do ano passado. Acho que injustamente ficou perdido na teia de bandas que resgatam as distorções de guitarra e vocais enterrados, naquela pegada noise-pop, shoegazer. Formada pelas garotas Jasmine White e Laura Lloyd, Ghost Blonde é um excelente album debut. Agora como um quarteto, a banda não arranha as referências mais óbvias de quem encontra felicidade na equação barulho e melodia. Ao contrário de revivalistas que se contentam em colecionar pedais e fazer pose de Jim Reid, o No Joy possui um som encorpado e entrega intuitiva.

Mais do que colecionar clichês, a mágica aqui disposta em dez faixas é exatamente condensar as qualidades de bandas como My Bloody Valentine (psicodelia sexy), Jesus And Mary Chain (bubblegum noise), Slowdive (hipnótica levada), Lush (pop), Sonic Youth de Daydream Nation (riffs espasmódicos/cósmicos) agregando garagismo e agressividade. Citando uma banda conterrânea atuante, seria como um Besnard Lakes mais direto e juvenil.

Ao invés de gerar nostalgia e talvez desagrado aos que viveram e reverenciam a música do final dos anos 80 e início dos 90 - e não são poucos, pela quantidade de blogs e fóruns dedicados encontrados pelo mundo - o No Joy apresenta a um público novo a sua própria energia de banda nova, reabrindo o interesse pelo momento em que o barulho se tornou parte indissociável da melodia. E voltar no tempo para escavar origens é um efeito que só quem possui talento pode causar em fãs mais jovens. Com o apoio de Bethany Cosentino (Best Coast, companheiros de selo, o Mexican Summer) e integrando o projeto Noisey, da revista Vice, o No Joy pode levar Ghost Blonde a um reconhecimento maior. Bring the noise AND the sweet melodies, guys. 8,5/10

O rap é pop na revista semanal

2011-04-12T11:46:00.000-03:00

Matéria publicada na revista Época com o singelo título "O rap virou pop" gerou mal estar em quem realmente está envolvido com o gênero. Inclusive nos que foram entrevistados e/ou citados pela reportagem. Basicamente, a matéria tenta estabelecer uma suposta diferença de atitude dos "novos" rappers: agora eles possuem discurso e som mais acessíveis ao público médio da revista, portanto é uma aviso para que não tenham medo do rap. Aquele estilo de gente mal cheirosa e da periferia, de cara feia e terrorista ficou pra trás. A classe média pode consumir sem preconceito, afinal eles "falam de amor e usam roupas de grife".

Os repórteres tiveram o cuidado de ouvir quase todos os caras: Emicida, Lurdez da Luz, Criolo...mas a intenção já estava configurada. A idéia era mostrar que a revista é "mente aberta", mas principalmente que o gênero rap nacional agora é pop. Tipo Black Eyed Peas. O mais verdadeiro está nas declarações recortadas e inseridas: Rincón Sapiência explica que a ascensão dos pobres permitiu uma mudança de visão dentro das periferias; Criolo diz que a mistura de ritmos sempre existiu; as declarações contradizem o espírito empregado pelos jornalistas, de que houve uma brusca ruptura com o rap dos anos 90. Bem, estamos falando de vinte anos de diferença...

Não houve nenhuma preocupação em compreender a linha evolutiva do estilo: épocas diferentes, realidades diferentes, mídias diferentes, necessidades diferentes. Até mesmo foi empregado uma espécie de infográfico, em que Mano Brown, Tháide se opõem á Emicida, Flora Matos. Num esforço brutal de reportagem, descobriram que nos anos 90 usavam "batidas eletrônicas quase sempre criadas por DJs". Como todos sabem os DJs estão todos mortos agora. Em contraponto, os novos usam "outros ritmos (?) e instrumentos ao vivo". Ahh, muito mais artístico.

Não entender do assunto não é demérito, a não ser que voce seja pago para escrever uma matéria que humildemente sugere "explicar" ao público como o rap nacional se formou e mudou para o pop. Ninguém pensou em relativizar essas mudanças com processos inerentes á qualquer tipo de música popular. Afinal, estamos falando de décadas de discos produzidos. Como era tocar rap nos anos 80? E nos anos 90? Qual a vida pregressa desses "novos"?

Aqui quem escreve é capaz de assumir que não conhece profundamente o assunto. Mas percebe que a capacidade de criação, as novas tecnologias, as mudanças geracionais desaguam em resultados mais diversos, em que a falta de distanciamento histórico não permite dizer com clareza que alguém é melhor ou pior. Que o gênero se renova por necessidade, sem anular os méritos de quem desbravou os mesmos territórios. E que o reducionismo só serve pra desinformar. A nova geração caminhou até aqui, e fez calos nos pés. Andaram, como a Lurdez diz aí: